Boyardos Enfadados

Teorema. Pasolini. 1968

2007-06-17T13:16:00.000+02:00

Una película de culto, una referencia, un tótem en la historia del cine. El otro día me puse a ver Teorema porque era una cuenta pendiente (de las muchas que tengo) con la historia del cine. La sinopsis, según cinefagia es la siguiente:

"Una familia acomodada de Milán recibe un telegrama que incluye sólo dos palabras: "Arrivo domani" (Llego mañana). Al día siguiente, reciben la visita de un muchacho que sin más explicación se instala en la casa como un integrante más de la familia. Esta premisa, que otros directores han usado para crear historias de terror o para satirizar las costumbres de su época, le sirve a Pasolini como punto de partida para crear una de las obras maestras del cine religioso.

Para los que no hayan tenido la oportunidad de ver Teorema, el argumento es el siguiente. El visitante (Terence Stamp) acompaña a la familia en sus actividades cotidianas y despierta en ellos deseos que parecían no existir. Gradualmente el muchacho seduce física y emocionalmente a cada uno, incluyendo a la sirvienta. No lo hace de forma egoísta. Al contrario, es precisamente su capacidad de dar amor sin esperar nada a cambio lo que hace que todos los integrantes de la familia se le entreguen. Todo transcurre felizmente hasta que un nuevo telegrama indica que su huésped debe partir.

La ausencia provoca varias reacciones. La sirvienta (Laura Betti) regresa a su pueblo para hacer milagros. El hijo (Andrés José Cruz Soublette) recurre al arte para evocar al que se ha ido. La hija (Anne Wiazemsky) cae en un tipo de trance del que ya no despierta. La madre (Silvana Mangano) recorre las calles buscando jóvenes que le recuerdan al ausente y los seduce agónicamente. El padre (Massimo Girotti) regala su fábrica a los trabajadores y se despoja de toda posesión material, incluyendo su ropa, hasta acabar vagando en el desierto."

NOTA: A PARTIR DE AQUÍ SE INCLUYE ALGÚN SPOILER PUES SE HACEN REFERENCIAS A ESCENAS CLAVE Y AL FINAL DE CADA PERSONAJE

Con este planteamiento, la película promete muchísimo y lo que ocurre es que luego, toda la parábola de Pier Paolo Pasolini se queda en agua de borrajas. El problema es que la parábola es tan hueca y vacía que no hay por donde cogerla.

La puesta en escena es reseñable. Hay una sucesión más que plástica de secuencias en las que cada personaje por separado crea su exégesis de lo que sería su contacto divino con el protagonista, un Terence Stamp magnífico. La pregunta es pues, qué ocurriría si Dios entrara en nuestras vidas para hacernos felices y darnos esperanza.

La pregunta, que a priori podría desencadenar una trama rocambolesca por todas las variantes que se podrían dar, Pasolini la desaprovecha dejando un vacío que supuestamente ha de interpretar el espectador. Así, la idea que se ha de quedar en nosotros es que los burgueses no son capaces de ser felices, ya que tras su encuentro con la felicidad dada por el demiurgo no sobreviven al encuentro (cada uno de los personajes de la familia padece males a cual más extraño). Mientras la madre (una genial Silvana Mangano) se da a la búsqueda del amor a través del sexo con desconocidos sin ningún objeto y, en ésa búsqueda de la felicidad sólo halla placer momentáneo; el padre rompe con sus tan altas responsabilidades empresariales y con todo lo que implica el dinero, alejándose del mundo, desposeyéndose de todo, incluídas sus ropas, para terminar en un volcán bramando desnudo y sin rumbo.

Los hijos de la pareja, sufren de la incomprensión del encuentro y no ven vida más allá. Por eso, la hija entra en una catatonia extrema y es internada en un psiquiátrico, mientras que el hijo es incapaz de desarrollar su verdadera personalidad (parece que descubre su homosexualidad al conocer al desconocido).

El personaje que de veras pone una contraposición a esa decadencia es la sirvienta que, al no ser correspondida por el desconocido intenta suicidarse, pero él lo evita para posteriormente liarse con ella. Cuando el desconocido se va, ella escapa a su pueblo natal y, tras un período de éxtasis místico y ayuno, comienza a levitar y a hacer milagros. Es decir, la sirvienta es la única que aprovecha el encuentro con Dios para hacer el bien, porque lo comprende. Por el contrario, los burgueses, alienados y muertos en vida como están, son incapaces de comprender la trascendencia del encuentro y al no encontrar la felicidad con la presencia del desconocido cuando éste ya se ha ido, se autodestruyen.

Por eso ésta es posiblemente, junto a algunas de Buñuel, la mayor fábula moral a favor del ideario comunista. Es tan grande el mobiliario izquierdoso del italiano que, habida cuenta de lo que quiere decir, no explica el por qué su Dios dador de felicidad es como es, un Terence Stamp guapo, joven y hermoso, que sólo se esfuerza en dar felicidad sin ningún compromiso, en un acto de esperanza para con la Humanidad. Y ello sirve de excusa aleccionadora para diferenciar quién es capaz de aprovechar el mayor de los dones.

El problema del filme es que es aburrido. Si bien el comienzo promete, con los encuentros privados entre el desconocido y cada personaje, luego todo decae en secuencias ornamentales que rozan la paja mental artística del señor Pasolini.

De Pasolini habría mucho que contar: sus ideas, su muerte, su homosexualidad, su época... Pero es reseñable su poesía. Aquí copio un breve poema:

ANÁLISIS TARDÍO

Sé bien, sé bien que estoy en el fondo de la fosa;
que todo aquello que toco ya lo he tocado;
que soy prisionero de un interés indecente;
que cada convalecencia es una recaída;
que las aguas están estancadas y todo tiene sabor a viejo;
que también el humorismo forma parte del bloque inamovible;
que no hago otra cosa que reducir lo nuevo a lo antiguo;
que no intento todavía reconocer quién soy;
que he perdido hasta la antigua paciencia de orfebre;
que la vejez hace resaltar por impaciencia sólo las miserias;
que no saldré nunca de aquí por más que sonría;
que doy vueltas de un lado a otro por la tierra como una bestia enjaulada;
que de tantas cuerdas que tengo he terminado por tirar de una sola;
que me gusta embarrarme porque el barro es materia pobre
y por lo tanto pura;
que adoro la luz sólo si no ofrece esperanza.

***

Pienso, en resumen, que está muy sobrevalorada y que si se trata de películas sobre temática religiosa, a la postre me quedo con La edad de oro o Simón del desierto, ambas de Buñuel, o el Dies Irae de Dreyer, porque no son tan tan trascendentemente insustanciales y tienen tramas más sólidas.

VALORACIÓN: 6

Concursante. Rodrigo Cortés. 2007

2007-04-09T23:21:00.000+02:00

Martín es un joven argentino que vive y trabaja en España desde hace años. Es profesor de Historia de la Economía en la Universidad, y “afortunadamente”, tras participar en un concurso televisivo gana el mayor premio de la historia, tres millones de euros en bienes.

Con este planteamiento de base, arranca la película de Rodrigo Cortés, un treintañero debutante en el largo, que se atreve a hacer una película muy personal para lo que se entiende aquí por ópera prima. Antes de eso, unos cuantos cortos lo avalan (Dentro, 15 días, Los 150 metros de Callao).

La película en sí tiene a Leonardo Sbaraglia de protagonista completo, y un pequeño reparto de secundarios entre los que destacan un Chete Lera y un Fernando Cayo soberbios en sus histriónicos papeles.

Técnicamente, el film es un salto mortal con tirabuzón incluido. Hay de todo. Hay momentos en que la música y la cámara remiten a Guy Ritchie en Snatch, otros planos recuerdan momentos de Fincher en Fight Club, e incluso con la pedantería de ésta última cuando el personaje habla continuamente a cámara, aleccionando al espectador.

Cortés se permite incluso parodiar El séptimo sello de Bergman, aplicando ejemplos morales que, a la postre, recargan la película. Pero es algo que habrá que perdonar.

Yendo al tema de la película, hay que hablar del dinero, de la suerte y de la falta de ella. De cómo un hombre corriente, que aspira como cualquiera a ser rico y vivir bien, se le concede ése privilegio engañoso y ello le conduce a una espiral irreversible de errores y fracasos, hasta una destrucción contada desde el primer fotograma.

En el medio hay un debate que constantemente se muestra al espectador, en el que los personajes se giran y hablan a cámara, y es la esclavitud del sistema económico.

La banca como idea perfecta de la deuda compartida y el establecimiento de la falsa creencia en un dinero que no existe y que nunca ha existido, es lo que se nos dice que hace girar la rueda del sistema socioeconómico en que vivimos.

Y la crítica surge de la negligencia. Del falaz convencimiento de que la democracia es el menos malo de los sistemas, y de que si es lo que hay ahora es porque las mentes más excelsas a lo largo de la historia de la Humanidad, es lo que han dado por válido. Y puede que quizá no lo sea tanto.

Porque un sistema impersonal en el que la deuda se establece con el propio sistema y no con un grupo de personas, un ente, o algo tangible, es un sistema perverso e inmoral para con los individuos. Y lo peor surge de ésa aceptación tácita de la masa, que contempla su felicidad en parámetros de consumo.

Por eso la película, pese a ser pedante y recargada técnicamente, y contar una historia que, al fin y al cabo puede ser una historia sencilla, habla de algo que nunca antes nadie se había atrevido a hablar con tanta desfachatez: que hay algo que falla.

Martín, en un momento de la película, explica que entre los pobres y los ricos la diferencia pasa porque los pobres creen que el dinero hace la felicidad, y que en cambio los ricos, saben que el dinero hace la felicidad.

Y razón no le falta.

Valoración: 7

Takeshis'. Takeshi Kitano. 2005

2007-03-01T17:06:00.000+01:00

Si Los sueños de Akira Kurosawa la hubiese rodado Kitano, saldría esto.

Viene a ser una parodia de sí mismo, una crítica de todo lo que le rodea. Los protagonistas son dos, pero al tiempo tres (bendito surrealismo).
Por un lado está Beat Takeshi (mismo nombre con el que él firma), un actor de gran fama.
Por otro lado, un pobre tendero que aspira a un papel secundario, que se llama Takeshi Kitano.
Luego está un tercer personaje, que es la imagen que el desgraciado tiene del triunfador.

Hay escenas grandiosas (el final sobre todo).
Hay parodias a su vena violenta.
Hay parodias a su surrealismo.
Y al acabar de verla, uno se queda pensando en si Takeshi Kitano (aka Beat Takeshi) no se suicidará pronto, porque muestra un mundo hueco a su alrededor en donde parece que nada ni nadie es capaz de llenarlo.
Incluso en los momentos finales de "redención-locura-surrealismo" hay melancolía y abandono, una sensación de desubicación. De vacío.

Hay escenas geniales, como la del DJ haciendo scratching con el pecho de una mujer, la del negro con una linterna en la cabeza, la de los cadáveres en la carretera... Y también hay escenas parodiadas (o no) de violencia coreografiada.

Valoración: 9

La ley de la calle. Francis Ford Coppola. 1983

2007-02-24T17:41:00.000+01:00

Como es muy bonita, pondré fotos y diré sólo que es algo así como si Mickey Rourke fuera la reencarnación de James Dean (el mejor papel que ha hecho en su vida). Matt Dillon hace de su hermano, al cual quiere imitar, y también aparece Dennis Hopper haciendo de padre de ambos. Si a eso se le añade un Nicholas Cage post-adolescente y con tupé, pues sale una película de bandas más que curiosa. Bonita de ver, con algún toque bestial acerca de la inadaptación, y muchos, muchos detalles.

Pobre Rusty James...

Valoración: 8

El gran silencio. Philip Gröning. 2006

2007-02-24T17:00:00.000+01:00

El gran silencio es un documental rodado durante un par de años (el director pidió el permiso a la orden de los Cartujos y le dijeron que sí 20 años después) sobre la vida en el monasterio suizo de la orden cartuja, que es posiblemente, el más antiguo (del mundo occidental) en el que aún viven monjes de clausura.

La película es larga, son casi 3 horas de silencio puro y duro. Sólo se oyen los ruidos de un lugar en el que casi no hay ruidos. Se muestra la vida cotidiana de los monjes, cortándose el pelo unos a otros, comiendo, rezando, yendo de excursión a la montaña (debe existir un día al año en el que se permiten el lujo de hablar y reírse), etc.

Cuando uno ve esta película sabe a lo que se expone, del mismo modo que si uno se bebe un chupito doble de Stroh, vomita instantáneamente. Esta película es para amarla o para odiarla. Es como ver un pedazo de la vida pero sin toda la parafernalia que nos rodea. Es como ver un Gran Hermano con dignidad, porque los que aquí salen no hablan, no dicen tonterías y sonríen con felicidad, como quien no espera cosas de la vida, como si DE VERDAD fueran felices haciendo lo que hacen (y lo que no hacen). Eso es lo apasionante de ver a estos monjes. Su felicidad es hipnótica. Tras ver el documental es como si te hubiesen hecho reflexionar sobre el paso del tiempo.

¿Recuerdan ustedes esas imágenes a cámara fija donde se ve avanzar un paisaje del día a la noche en cuestión de segundos? Pues aquí el paisaje no avanza, sino que somos nosotros los que vamos a 500x.

Miren las siguientes imágenes, piensen unos segundos en lo que les sugieren (todas juntas y por separado) y después decidan si quieren ver El gran silencio o no.

Recomendación: usen como referencia El sol del membrillo (1992), de Víctor Erice.

Valoración: 9

I walk the line. John Frankenheimer. 1970

2007-02-24T15:33:00.000+01:00

El título en España es Yo vigilo el camino, otra adaptación infame.

John Frankenheimer es el padre de la acción. Cada vez que pienso en El tren (1964) me sube un escalofrío por la espalda y me vienen a la cabeza mis escarceos con el Commandos 1, 1.5, 2 y 3. Y algo así me ocurre también con El hombre de Alcatraz, ése señor (otra vez Burt Lancaster) que criaba canarios para desestabilizar el sistema. Estos son algunos ejemplos.

En 1970, se aproximaba el amargor de la psicodelia 60s, y de ahí surge que Johnny Cash sea el alma de esta película. Y lo es no porque la protagonice sino porque con sus canciones (la que da nombre al film es la principal) ayuda en gran medida a un parco Gregory Peck a mostrar sus sentimientos.

La historia va de un sheriff apocado y tristón que se enamora de una jovencita, hija de un fabricante de licor ilegal. A partir de ahí, todo va degenerando en unas consecuencias traumáticas. Las cosas no son lo que parecen. Las trampas de unos, la familia, el dejarlo todo por un capricho, el amor, el desamor, la rectitud...

Valorándola técnicamente hay que hablar de preciosos travellings, de cambios de ritmo y de alguna combinación preciosa de planos partidos en donde se enfoca cerca-lejos y se encuadran dentro distintos personajes para dar cabida a todas las caras durante una conversación más que tensa.

Los actores regular, muy impostados, sobre manera Tuesday Weld, la chica. Los demás ni fu ni fa. Gregory Peck excelente, con esa tosquedad y rudeza, su presencia y unos gestos duros con la cara que te hacen dudar sobre el veredicto que su mano repartirá sobre tu cara.

En líneas generales, me había creado más expectativas sobre la película. Pensaba que sería más violenta, con más acción, y ha resultado ser un drama al uso, sobre la lucha de un hombre gris contra su rutinaria vida. La primera media hora me pareció aburrida y lenta, pesada, para luego ir entreteniendo poco a poco. Dura una hora y media, pero bien podría haber durado 70 minutos.

Valoración: 6

Los elegidos. Troy Duffy. 1999

2007-01-27T00:13:00.000+01:00

De título original The Boondock Saints, esta película viene a ser algo así como una interpretación moral de lo que ha de ser la justicia social. Nos viene a dar una idea de lo que mucha gente piensa sobre el bien, el mal y la solución a este último.

Dos tipos asesinan a los malos porque sus convicciones morales (unos machos ultrarreligiosos) así lo requieren.

Los tipos en cuestión son Sean Patrick Flanery (sólo he visto su papel en el Masters of Horror 1, de Carpenter) y Billy Connoly. Y también sale Willem Dafoe haciendo de detective homosexual (lo mejor es la escena de cama con un joven efebo, donde hay tanta química que parece una secuencia rodada por José Luis Moreno).

Como detalle curioso, en un papel secundario aparece Ron Jeremy (el famoso actor porno) haciendo de mafioso italiano malvado.

Con estos visos, ya se puede uno imaginar que la cinta no es muy digna.

Aparecen algunas escenas de acción coreografiadas, con giros de cámara que hacen a uno marearse y sobre todo una estética de telefilme que te va devorando las tripas desde dentro. Es más, haciendo el esfuerzo de intentar visualizar mentalmente esto en cine, no soy capaz. No hay por donde coger las expresiones dobladas.

Hay gracias que no tienen nada de gracia, pues se basan en meras repeticiones de “joder” y demostraciones de rudeza “esos hijos de puta lo pagarán jeje”.

El punto fuerte aquí es la religión. Ellos dicen librar una misión divina mandada expresamente por Dios. Ahí es donde estriba la guasa del asunto porque, antes de liquidar a sus malvadas víctimas, les sueltan una retahíla bíblica y abren fuego. De lo que no se dio cuenta el director es que Pulp Fiction la ha visto mucha gente, y hacer eso, en una película así de mediocre, hace que se convierta en más mediocre aún.

Al final, tras el asesinato del villano, la prensa se encarga de preguntar al falso público acerca de la actitud de los protagonistas. No les sorprenda a ustedes la utilización de tal recurso (tan ruin y amañado) cuando todos sabemos de la creencia americana en la ley del ojo por ojo.

Valoración: 3

¿Y tú qué sabes? Varios directores. 2004

2007-01-26T16:30:00.000+01:00

El título en inglés era What the bleep do we know? que viene a ser algo así como Qué cojones sabemos, pero el título en español es más ambiguo y formula un reto. El planteamiento es éste: Como nadie sabe nada de Física Cuántica, tratamos al espectador como un bobo y les vendemos la moto.

Decir que este documental podría pasar por relleno de infocomerciales entre flexión y flexión de Chuck Norris, porque es un manual de autoayuda. Sus efectos especiales son patéticos hasta el punto que desearías que no los hubiera. Los croma utilizados en las entrevistas a los "científicos" son irrisorios (imaginen a tipos ante fondos luminosos rollo mesiánico). La historia que se cuenta está deslavazada y no pasa de una mera historia estúpida sobre una mujer de unos cuarenta años que no encuentra su sitio, y comienza a ver la realidad de un modo "distinto" gracias a los fenómenos cuánticos didácticos que tienen lugar (dobles realidades, mundos paralelos... Esto es todo).
Toda la historia está aliñada con comentarios de personajes supuestamente científicos y versados en la física cuántica y sus propiedades.

Como documental, falso-documental o documental de ficción didáctico es patético. No sabría si darle un cero o hacer un llamamiento a la prohibición, pero hasta cierto punto, lo paso. Si existe gente que compra los cachivaches de Chuck Norris o la baba de caracol para que su piel sea más lozana, también existirá público que vea este tipo de cosas (yo me lo he tragado entero), pienso. El problema es la gente que ve esto encantada. Esos, son unos pobres ingenuos de carta astral, horóscopos y tarots. Deduzcan ustedes los corolarios.

Como he dicho, hasta cierto punto me da igual lo anterior, pero por otra parte no. Cuando eres físico y te hablan de Física, esperas una veracidad. Es como cuando te ríes de Punset doblando su empalagosa voz ante personajes grandiosos de nuestra época como Gribbin, Sacks o Penrose mientras pregunta banalidades. El verdadero problema es que esto es engañar, timar, embaucar a la gente, a aquellos que no saben nada de física cuántica y creen que lo que aquí se muestra es una visión divulgativa de la misma. Nada más lejos.

No se cuenta nada. Nada, repito. No hay un solo concepto de Física cuántica. Yendo más lejos diré que no hay un solo concepto de Física. Sólo hay historias paralelas, viajes en el tiempo y cosas así. Los tipos que hablan, siempre citan a Dios o hacen referencias religiosas. Es entonces cuando una persona ignorante debería decir ¡PARA LA CINTA! Rebobina... ¿Ese tío ha dicho que "a través de la teoría de cuerdas tendremos una visión clara de la Creación"? Así, pronunciado con una mayúscula sobresaliente.

Lo que me cabrea es que cualquier persona que vea esto, se lo crea.

DATOS

He de decir que en el documental sale una mujer que se hace denotar como Gran Maestra de la Escuela de la Iluminación de RAMTHA, que es la productora de este engendro, y que habla de religión. Esa mujer, es la líder de una secta que está detrás de todo esto. Cuando buscas en Google por el título original (What the bleep do we know) la primera referencia es la web de la secta llamada Escuela de Iluminación de RAMTHA. Dicha mujer dice que canaliza el espíritu de un neanderthal que hace 35000 años conquistó la Atlántida. Lo de neanderthal le va que ni pintado.

Mirad de qué va su ideología:

En la Escuela de Iluminación de Ramtha (RSE), los estudiantes aprenden:

La ciencia que explica a Dios.

Las técnicas para manifestar los sueños en la realidad.

De qué forma las emociones son un obstáculo para el crecimiento espiritual.

Cómo cambiar la realidad personal.

Cómo convertirse en un maestro y cumplir el destino personal.

En estas Charlas Introductorias se presentarán vídeos traducidos al español. Conocerá a Ramtha, aprenderá acerca de la escuela, y recibirá detalles sobre el próximo Retiro de Principiantes a realizarse en su zona geográfica.

Ahora no voy a explicar lo que verdaderamente es la física cuántica. Sólo diré unas cosas.

En 1900 Max Planck desarrolla una teoría que da cuenta del comportamiento, hasta entonces inexplicado, del cuerpo negro (un ente ideal de radiación). Así, la teoría cuántica es, en un comienzo, una teoría de la radiación (de la energía). Más adelante, en 1905, Einstein vio la aplicación de esto a otras cosas y se pudieron explicar fenómenos como el efecto fotoeléctrico y el calor específico de los sólidos. A partir de las ideas cuánticas, Einstein desarrolló su teoría de la relatividad, teniendo la versión completa en 1915. La relatividad general se puede describir, grosso modo, como una versión más completa de la teoría de la gravitación de Newton.
Las nuevas ideas cuánticas de Einstein, dan cuenta del espaciotiempo como una única cosa. Desde entonces no se habla de espacio y tiempo como cosas distintas, sino como una especie de tapete en el que suceden todas las cosas. Las propiedades que Einstein describe para esa estructura, son muchas y variadas, estando entre ellas la deformación del espaciotiempo en relación a la masa de los objetos que participen en el suceso y también en función de su velocidad. Así, cosas muy "grandes" (estrellas, galaxias) o muy veloces (lo que sea que tenga una velocidad próxima a la de la luz, 300.000 km/seg) se verán deformadas y la estructura del espaciotiempo alterada. Esto está perfectamente demostrado y no es ciencia ficción.
Ejemplo: si tuviésemos una nave espacial que pudiera viajar a la velocidad de la luz, y viajáramos a la estrella Alpha Centauri, que está a 4 años-luz de distancia, y tardásemos aproximadamente 8 años en ir y volver a ella, cuando hubiésemos regresado a la Tierra, aquí habrían pasado muchísimos más años, quizá cien, respecto a los años transcurridos en nuestra nave. Esta es la famosa paradoja de las gemelas):

En 1926 Heisenberg y Schrödinger llevan a cabo una formulación matemática nueva para la mecánica clásica de los dos siglos anteriores. Cada uno aporta dos visiones equivalentes, en las cuales se aplican las ideas revolucionarias de Planck. El resultado fue una teoría probabilística de la Mecánica, que da cuenta de lo que ocurre a nivel microscópico. Así, durante todo el siglo XX, se desarrolló en la explicación detallada del comportamiento de los átomos, de los enlaces entre ellos, e incluso de los núcleos atómicos y su funcionamiento. Todo gracias a la Mecánica Cuántica. La aplicación de esto es lo que ha permitido desarrollar materiales nuevos o mecanismos tales como el láser. En el año 2000 se hizo un estudio que decía que el 40% de PIB de USA estaba directamente relacionado con aplicaciones de la Mecánica Cuántica.

Como toda teoría matemática, al aplicarse probabilísticamente, surgen fenómenos que, a escala MACROSCÓPICA (a nuestro tamaño) no pueden producirse.
Así, por ejemplo, un electrón (partícula/onda) que se lanza contra una barrera de potencial (lo que sería una especie de muro infranqueable. Un tabique vamos), tiene una probabilidad no nula (muy pequeña) de traspasar la barrera, porque una teoría probabilística lo permite. Es decir, que a escala microscópica, se pueden atravesar paredes (cabe la posibilidad mejor decir).
Pero de eso, a extender a la vida cotidiana una teoría microscópica, es como ir a una cafetería a tomar un pincho y pagar con una supernova. Pues eso, que no tiene sentido.

Ahora bien, que hablar a la gente de cosas cuánticas y dejarles flipados con mundos paralelos, debe servir, porque esta gente se está forrando y la masa está demostrando su ignorancia y falta de criterio.

Lo peor de todo es que haya que indignarse y posicionarse contra esto, cuando no merecería ni siquiera la más mínima atención.

Siempre que me viene alguien preguntando que si he visto este documental, sonrío y pienso Le suelto el rollo pedagógico o simplemente digo que es una puta mierda. Al final siempre suelto el rollo, porque estoy indignado y porque la física es lo que tiene, que te conviertes en una persona empeñada en dar explicaciones.

Siempre dando explicaciones...

Valoración: -10

Nota: esta será la única nota negativa. Sirva de excepción.

Bubble. Steven Soderbergh. 2006

2007-01-16T21:21:00.000+01:00

En 73 minutos el señor Soderbergh, que ya ha hecho de todo en Hollywood, se marca un peliculón independiente que te deja temblando.
Se trata de una historia mínima, que ocurre en la América profunda (West Virginia), en una zona bastante pobre, donde la gente vive en caravanas y apenas se ve a nadie caminando por las calles.
En ese escenario, aparecen tres personajes, compañeros de trabajo en una fábrica de juguetes: dos son amigos inicialmente, una mujer cincuentona y un joven veinteañero, ambos solitarios. Mientras que la tercera es una veinteañera con una hija que rompe esa extraña relación de amistad.
La historia es compleja en la medida en que avanzamos, pues se presentan unas rutinas tan parcas que nos hacen pensar en el verdadero sentido de la vida y en la búsqueda de la felicidad.

Toda la película es una sucesión pausada de planos fijos muy fríos, no muy largos, con algún gran angular abriendo paisaje en zonas de transición.
Todo es muy simple estéticamente y los diálogos son justos, se adaptan a la cotidianeidad de los personajes. No hay ironías, ni ingenio, ni groserías... Tan sólo un ¿Has acabado ya? Vamos a fumar un cigarrillo fuera, etc.
Incluso en la actuación del detective, todo se muestra normal. Un detective yendo en un coche con los cristales sucios, preocupado por dar noticias al padre, preguntando a un agente de policía, son todo ello ejemplos de normalidad.

Precisamente por esa normalidad de la que hablo la película es magistral. Porque de una historia corta y sencilla con tres personajes, se desencadena una reflexión brutal sobre lo plano que es vivir, sobre la inadaptación de unas personas que no es que sean inadaptados, sino que son normales, pobres. E intentan ahorrar para, ojalá, comprarse un coche, por ejemplo. O irse a unas playas que un día vieron en la tele.
Y yendo más allá, diré que lo anterior es más reseñable aún debido al hecho de que ningún personaje se empeña en mostrarse como un inadaptado. No son artistas, ni filósofos adolescentes (Slacker, Waking life), ni tampoco son post-adolescentes de Ghost world, ni viejos acabados borrachos que ven dibujos animados una mañana antes de ser encañonados por una recortada. Son gente normal, triste y sola.

He leído que Haneke ya consiguió esta reflexión en El séptimo continente, pero aún no la he visto. Y a falta de verme la trilogía hanekiana, no puedo comentar más.

Los actores muy bien, sobre manera Debbie Doebereiner.

Si no la hubiese hecho Soderbergh, diría que es cine independiente americano.
Como la ha hecho Soderbergh, diré que es su particular Historia verdadera a lo Lynch.

Valoración: 9

The Fountain. Darren Aronofsky. 2006

2007-01-14T19:52:00.000+01:00

Pues sí, ya vi La fuente. Y me gustó.

Aunque en España aún no se ha estrenado y ni siquiera sé cuando lo hará, en el emule se puede encontrar un screener algo chusco, pero digno.

Creo que en mi vida nunca había seguido el proceso de creación de una película tanto como en The Fountain (exceptuando Los cronocrímenes). Tras ver Pi (1998), quedé prendado de este joven director, y cuando se estrenó Requiem for a dream (2000), quedé algo insatisfecho de tanto efectismo y menos ideas (todo muy videoclipero).
Fue entonces cuando descubrí que Aronofsky ya tenía guión para The Fountain, mientras se hablaba de la posibilidad de que rodara una versión de Batman llamada Año Cero, que creo que es la versión que luego ha resultado ser Batman Begins, de Nolan.
Esa versión del guión tenía por título The Last Man, y tenía que rodarse con Brad Pitt y Cate Blanchett (Brad se dejó unas barbas larguísimas por entonces), pero fracasó en sus comienzos por dos cosas: los actores principales pidieron una millonada y el presupuesto de la película era inmenso (más de 40millones de $).
Y la película se estancó otro par de años. Y mi gozo a un pozo.
Sobre el guión yo ya había leído el argumento por entonces en aintitcoolnews (apenas se ha alterado) y descubrí que Aronofsky había propuesto hacer una novela gráfica como pseudo-historia previa a la película.
Esta vez el asunto salió adelante, pero con la mitad de presupuesto y dos actores nuevos, Hugh Jackman y Rachel Weisz (esposa de Aronofsky actualmente).

La historia se cuenta en tres focos. En 1500, un conquistador español que parte a América en busca del árbol de la vida del que habla la Biblia, en la actualidad, un investigador médico que intenta conseguir un remedio para el cáncer que está acabando con la vida de su mujer, y en el año 2500 un hombre unido a un árbol en mitad del espacio interestelar.

La unión entre esas historias es la profundidad de la película, y el punto en el que los gustos pueden diverger. El problema es la mísitica que subyace en toda ella, el afán de absolutos. Cuando buscan sus respuestas, los hombres de cada historia (que son el mismo y se llaman igual, Tomás, Tom), buscan la Verdad. Pienso que la película es bella por esa pretenciosidad mostrada con una lírica plástica muy bonita. Mientras que ese mismo recurso, a veces se traduce en una fantasmagoría empalagosa y llena de caras iluminadas. Le falta sencillez. Una cara desdibujada por la excesiva luz diciendo al protagonista babosadas de amor, no es un tono dramático, sino una visión ñoña de una escena que podría ser preciosa: las parcas palabras de una mujer que se está muriendo entre los brazos de su marido, el mito de frankenstein, la culpa... Pero eso falta.
La historia medieval es algo alegórica y se aleja de cualquier verosimilitud o de detalles de realidad. Se tienen dos, tres personajes a lo sumo, opacados por sus halos luminosos y la grandeza de sus palabras, pero no se tiene una puerta que se abre, un alejarse o cosas así.

Por otro lado, la historia del futuro es extraña. Viene a ser una realidad metafísica que convierte a las anteriores realidades en ensoñaciones del hombre que viaja en una burbuja hacia la estrella Xibalba. Una búsqueda de la Respuesta última, y lo bueno de la película es que tal Respuesta es simple y ambigua al mismo tiempo (no lo desvelaré aquí).
En conjunto, la historia se resume en que el discurrir de la vida, sea en la época que sea, no es más que una búsqueda del amor supremo, mortal, y al mismo tiempo, imperecedero.

Hugh Jackman lo hace muy bien. Creo que es un actor a tener en cuenta y que se nota su formación teatral (aprecien sus registros faciales o su forma de llorar). Por el contrario, Rachel Weisz sólo es una cara bonita (aquí no se aprecia su cuerpo bonito), y Ellen Burstyn tiene un papel tan secundario que ni se puede valorar.
La dirección de Aronofsky deja que desear, pues se reduce en muchos momentos a juegos de fotografía (Libatique) y a efectos pictóricos (que no digitales pues están hechos con técnicas manuales basadas en líquidos).

En definitiva, es una historia sencilla y al mismo tiempo grandiosa, que está contada con demasiada ostentación, donde el verdadero protagonista no es el árbol de la vida, sino el amor.

Y la banda sonora, de sobresaliente. Desde Pi, Clint Mansell no había hecho nada igual. Alejado aquí de la rítmica electrónica, su Kronos Quartet lo borda, rozando en ciertos momentos el post rock y en otros la pura sinfonía orquestal clásica.

Valoración: 7

María Antonieta. Sofia Coppola. 2006

2007-01-14T18:31:00.000+01:00

Una de las películas más huecas que he visto en mucho tiempo. El argumento es nulo, así que lo que se ve por pantalla es artificio puro y duro. Tiene un logro la cinta, y es que el diseño de vestuario es magistral, y el hecho de que esté rodada en el auténtico Palacio de Versalles aporta grandeza al resultado.

Es una historia sin drama, y mira que la vida de esta mujer tuvo que tener chicha, pero nada.
Si en Lost in translation (2003), la hijísima, había conseguido una muy buena película conjugando un bonito guión y unos actores perfectos para él, y para hablar de la desubicación de las personas en el mundo, de la incomunicación en el mundo de las ideas, ahora la ambigüedad se convierte en falta de sustancia.
A qué me refiero. A que en lugar de mostrar a un personaje, todo el tiempo se nos muestra la transición de dicho personaje, y no su evolución o su estado. María Antonieta es un personaje anodino. Tanto es así, que durante 45 minutos no se aprovecha en ningún momento la fruslería y pusilanimidad del rey Luis XVI, marido de Antonieta, que parece ser gay, y que sólo lo muestran como soso. Muy buena actuación de Jason Schwartzman. Kirsten Dunst cumple y punto, mientras que Richard Coogan hace de mueble, visto que su papel es ese.
Cuando hablo de transición me refiero a que la película se reduce a eso, a escenas de carruajes donde se ve a Kirsten Dunst con la cabeza apoyada en el cristal mirando el paisaje mientras se oye alguna canción de Air, The Radio Dept., o Belle and Sebastian. Hay veces que la banda sonora es un crimen precisamente por eso, por la descontextualización. Es una especie de Destino de caballero versión modernilla.

La mejor parte de la banda sonora es la verdadera banda sonora, la compuesta por Dustin O'Halloran para la rutina que se muestra.
Hay cotilleos vacuos, ninguna intriga palaciega, salvo al final unos cuernos que ni siquiera trascienden, hay revoluciones que ni siquiera aparecen.
Un crimen me parece el que se resuma la historia en los 5 últimos minutos, incompletos y simplones.
Si la película la hubiese hecho Disney, hubiese sido otro Princesa por sorpresa, o films de esos en los que ahora le ha dado por salir Julie Andrews, pero como lo ha hecho Sofia Coppola, que sabe de moda y escucha a los Strokes, tenemos un peliculón de época y muy estiloso.
Pues no, no lo tenemos, tenemos un videoclip largo y pausado, que se deja ver por la belleza de las imágenes y porque alguna canción merece la pena.
Y sobre manera una puesta en escena vacía de significado al no haber nada detrás.

Es el opuesto a El globo blanco, de Panahi, que aquí critiqué sin ir más lejos. Allí la historia lo era todo -aún siendo sencillísima- mientras que aquí lo es todo la fachada.

Valoración: 4

RESEÑA en el diario El Mundo

2007-01-12T16:05:00.000+01:00

La primera vez que alguien se fija en este blog y va a ser alguien de El Mundo.
Esto ocurrió el 22 de diciembre del pasado 2006.
Hay que decir que se trata de la edición catalana, y que he podido ver la reseña tiempo después de su publicación ya que el diario cuelga en libre acceso las noticias una semana después.
Así que imaginarán ustedes la ilusión que me hace esto. El que alguien se haya fijado en lo que he escrito y que además lo elogie.

Aquí lo copio:

El blog de boyardos enfadados

http://boyardosenfadados.blogspot.com. Si un boyardo es un «señor ilustre, antiguo feudatario de Rusia o Transilvania», podemos concluir que está capacitado para dictaminar, desde su feudo, las maravillas del cine de serie B o de lo que le venga en gana.Ecléctico como pocos, este espacio en el que el séptimo arte es el rey de la fiesta conjuga directores iraníes de los 80, la primera película de Fritz Lang, la cinta que inauguró el término gore y piecillas de extraño valor como La carrera de la muerte, con Stallone. Todo desde un punto de vista sincero, directo y sin eufemismos. Así da gusto. / E. B.

Link aquí

Gracias a E. B.

Heroes. Tim Kring. 2006

2007-01-06T21:30:00.000+01:00

No me consideraba una persona muy dada a las teleseries. No me gusta eso de engancharme a algo, estar viendo argumentos inexistentes durante una hora y que me digan To be continued...

Esa es la razón por la que no veo Lost, ni Prison Break, por ejemplo. Porque sé que hay mil subtramas que no conducen a nada, que todo se alarga porque la audiencia es alta y porque cada vuelta de tuerca que se da es un paso más hacia la vacuidad, o lo que es lo mismo, el culebrón.
Siempre he pensado que una serie que se precie de ser buena ha de finiquitar una historia en uno o dos episodios, y mantener una constancia argumental apoyada en historias completas que enriquezcan a los personajes y los hagan crecer a medida que el espectador se familiariza con ellos.
Esta es la razón por la que series como Hermanos de sangre me parecen obras maestras. O sin ir más lejos, joyas del humor actuales como The I.T. Crowd o Studio 60 on the Sunset Strip (ésta última de Aaron Sorkin).
No os esforcéis en buscar en qué canal las dan. Hay que tirar de emule (ilicitud bendita) y descargárselas impunemente con subtítulos (hay para dar y tomar porque hay mucha gente enganchada).
Así, con estas referencias, busqué información sobre series actuales anglosajones y decidí que Heroes pintaba más que bien. Por ello, me descargué los 11 primeros episodios que vi colgados en el emule (el 12 se emite en USA el 22 de enero, pero se puede ver aquí el trailer). Me puse a ver el primero y me gustó, quise ver más, y eso que cada capítulo es de los de To be continued..., pero me dio igual, caí prendado de su estética y sobre todo de su ritmo.
Madre del amor hermoso, -me dije- ¡Es increíble lo que estoy viendo! Es una serie de gente con poderes, que no los usan para salvar a nadie, sino que ni saben que los tienen, y que se dedican a sus vidas cotidianas. Y es en ése avance de descubrir su poder y esa trama basada en la certidumbre de una explosión nuclear en Nueva York, donde surgen unos personajes tremendos.
Hay actores adorables y otros a los que meterías a la cárcel de lo mal que lo hacen, y las historias, salvo alguna excepción salvable, son sublimes. Todas te dan la impresión de ser el centro del argumento, pero sabes que cada historia se ha de entrelazar con las demás y que ninguna predomina, que los superpoderes que tienen habrán de desarrollarlos conjuntamente de algún modo, y no sucede exactamente así, sino que el "destino", como ellos dicen todo el tiempo, les hace encontrarse y alejarse del mismo modo. Y por otro lado, reseñar la cuestión del bien y del mal, que es el motor supremo de la historia, dejando entrever todo el tiempo que el que creíamos bueno quizá no lo es tanto, y viceversa. O no, pero al ya sembrar la duda en el espectador, el argumento nos gana, porque uno desea saber qué vendrá después y qué historias le sucederá a cada cual.
Y lo mejor de todo es que todo encaja y nadie sospecha ni de lejos, qué puede ocurrir en el siguiente capítulo.

Por último, hablar del más adorable de todos, Hiro Nakamura (Masi Oka), el típico japonés pobrecillo, que descubre en el primer capítulo que puede moverse a través del espaciotiempo, y como es un informático típico japonés, pues sabe de cómics, y ello le dice que ha de usar su poder para hacer el bien. Bueno... No siempre jeje.Y recordad esto, que es un mensaje del futuro: Save the cheerleader. Save the world.

Sólo con ésa frase, quién no quiere al menos verse el principio de esta serie tan sublime.

Nota: En España se empezará a emitir en febrero en el canal Sci Fi.

Más información: www.heroes-spain.com

Valoración: 10

El perfume. Tom Tykwer. 2006

2006-12-23T20:16:00.000+01:00

No nos engañemos. Esta película es mala.

Es mala por muchos motivos. El primero de ellos es que dura mucho, demasiado (¡147 minutos!)
Luego hay otros motivos que son más razonables, pues no por el metraje se juzga una película.
Para empezar, en todo ese largo metraje se cuentan cosas muy aburridas. La historia se reduce a un hombre con un olfato prodigioso, que busca captar la fragancia que una vez olió en una muchacha, y como no es capaz de captar el olor de las mujeres, se frustra. Ya está.
No hay más que eso. Y con eso, el director busca una mística que quizá en el libro resultase simpática, resultona, y yendo más allá diría que bonita (según gustos claro), pero que aquí se muestra pesada, cargante y estúpida de todas todas.

Le película es mediocre por la voz en off, pues como en el 80% de las veces tenemos al protagonista correteando por ahí olfateando, aparece un narrador que nos cuenta lo que el protagonista piensa. Es un abuso. La voz en off es un recurso tan infantil para tapar carencias de guión que no entiendo como puede colar aquí. Ejemplo (Y entonces Fulanito, creyendo que de tal manera conseguiría cual cosa, se dispuso a partir rumbo a no sé dónde para buscar allí la felicidad. Pero al llegar ocurrió tal cosa que le hizo pensar en aquella muchacha que había conocido... etcétera) Un insulto al espectador.
Este es el plan durante las dos primeras horas. Ver a Ben Wishaw (un actor inglés que promete mucho) olfateando en lugar de hablando y una voz en off que te explica TODO.

Luego está el reclamo de Dustin Hoffman, que aquí sale en un papelito secundario digno sin más. Y los demás actores son guiñapos de guión. Hay desbarradas en el montaje al estilo Bruckheimer, es decir, planos rápidos en los que la cámara avanza sobre el paisaje unos kilómetros a través de valles y colinas (como en Mar adentro también), que no hacen sino convertir en más ridículo el planteamiento de la peli de que el tipo olfatee cosas a kilómetros y además, se esfuercen en demostrárnoslo.
Tiene muchos crescendos musicales, pero no dramáticos (salvo quizá el pre-desenlace) y tiene pasajes de 15 minutos que son un verdadero coñazo (no son poéticos ni bonitos) son aburridos.

Pero si por algo es mala esta película es por un final aborrecible. Un final en el que aparece una orgía heterosexual sin venir a cuento e inexplicable en la historia. Es una especie de "Vamos a cambiar de tercio, e inventarnos el final más gilipollas que podáis imaginar". Lamentable es decir poco. Hasta las 2h de película pensaba en lo mediocre y aburrida que era. Tras ver el final (y como se alarga y se regocija en sí mismo) pienso que es una puta mierda. Así de rotundo.
En el cine empecé a reírme sin parar (spoiler: ver a un obispo tener un orgasmo no tiene precio).

Y por último quiero añadir que el hecho de que el libro sea un superventas internacional y que lo haya leído todo el mundo no justifica una historia tan patética como esta. Siendo El código Da Vinci un libro explícitamente mediocre y simplón, y su película aburrida sin más, da mil vueltas a una adaptación como esta, por poner el primer ejemplo que se me viene a la cabeza. Y ya digo que Dan Brown me parece un escritor malo y Ron Howard un pelele. He visto adaptaciones por encargo que hacían más honor a su versión literaria (ejemplo: Dragón rojo).
Jamás leeré un libro basado en semejante historia.

Es como si hubiese visto una adaptación de cualquier novelita de Paulo Coelho. Una cosa mística, aburrida, ñoña y vergonzante.

Valoración: 1

Tras el cristal. Agustí Villaronga. 1985

2006-12-23T19:29:00.000+01:00

Agustí Villaronga es un director mallorquín que, en general, es bastante desconocido entre la cinematografía nacional. Lo último que de él nos ha llegado es el falso documental Aro Tolbukhin: en la mente del asesino (2002) sobre el asesino húngaro en Guatemala. Otras de sus obras son El mar, 99.9 o El niño de la luna. La mayoría de estas, como los actores que en ellas participan, se caracterizan por la fuerte presencia del archipiélago balear.

Tras el cristal (1985) es la primera película de este hombre, y la más aclamada por la crítica. No es muy conocida a pesar de esto, e incluso podría decirse que es debido a la deslocalización del director dentro de la época en la que fue realizada. Si se busca In a glass cage (título traducido al inglés con que se comercializó) se encontrarán casi más referencias que en español. Y es que está considerada como película de culto por la transgresión de sus planteamientos.

Comienza la película con un niño bastante joven colgado desnudo de las manos. Es algo así como una visión sadomasoquista y pedófila de un redentor. Junto a él, un hombre bien presentado hace fotos del niño, se acerca y le lame la cara inmóvil con mirada de vicio. Tras ello, con una cámara cómplice (ahí radica el juego morboso) el hombre coge una estaca y le atiza al niño en la nuca, como si se tratase de un conejo. Es entonces cuando la complicidad malsana del director salta a un tercero que observa la escena desde fuera a través de una ventana. Y ése personaje aún desconocido, que somos nosotros porque nos hace cómplices de lo que acabamos de ver, marcará el devenir de la película. Tras esta turbadora impresión, la cámara (nosotros) sigue/seguimos al asesino por entre unas escaleras hasta las almenas de un torreón. Nos callamos a la espera y el hombre, con parsimonia, se tira al vacío.
Así empieza la película. Así son los primeros 4 minutos. Traumáticamente increíbles.

Obviamente no sabemos nada partiendo de esto (por eso lo cuento), y lo que va surgiendo después es una historia de odio y desesperación, que conduce a un ideario enfermizo basado en la culpa del pasado, en la purga del pecado y en el masoquismo de la víctima. Es algo así como ver una película de Chan-wook Park pero sin casquería. El asunto visceral aquí se centra sobre las víctimas, sí, pero la diferencia radica en que éstas son ahora niños.

Los actores son cuatro, entre ellos Marisa Paredes, que tiene un papel no demasiado protagonista, y cumple a la perfección con el estigma de una esposa amargada y mala, pero en el fondo indefensa. Los demás son la niña Gisele Echevarría (que no haría más cine), Günter Meisner (un actor de segunda fila alemán que hizo un porrón de cosas para la tv germana) y David Sust, el verdadero protagonista de la cinta que, en mi opinión, no cumple ni con una décima parte con lo que su papel de post-adolescente loco depravado prometía. Su personaje (Angelo) está encarnado con la desgana del Jorge Sanz de los comienzos, con frases casi recitadas, sin cambios en el tono y con una rigidez de novato. Este es uno de los fallos graves, pues su personaje no tiene fuerza ni maldad, más bien un deje homosexual inicial que no se te va de la cabeza.

En otro apunte cabe señalar que la historia es enfermiza, pero va decayendo a medida que todo avanza y los personajes se van difuminando hasta desaparecer. Quizá haya personas que no soporten tal grado de perversión moral, y ello les haga hacerse preguntas estúpidas que no habrían de hacerse al respecto de la relación verdugo-víctima (esa es la gracia y originalidad), pero yendo por ése camino, incluso para el espectador más tolerante, la cinta se enfanga en sí misma, se muestra repetitiva en lo perturbada que es (y quiere mostrarse), y eso no hace gracia. Y no hace gracia porque en el minuto 4 hubo un clímax que jamás se vuelve a alcanzar en todo el metraje. Es como si primero te diesen un puñetazo en la cara y luego te estuvieran llamando tonto durante hora y media. Pues eso, que el comienzo te impacta y luego ya no te importa tanto.

Valoración: 5

Muñecos infernales. Tod Browning. 1936

2006-12-22T18:02:00.000+01:00

Tod Browning no fue un director de una sola película. Aunque es generalmente conocido por la mayoría por ser el creador de Freaks (La parada de los monstruos) allá por 1932 y sobre todo Drácula en 1931, con Bela Lugosi, ya digo que tiene otras obras reseñables.
Una de esas cintas es esta (The devil-doll) que en un comienzo se llamó The witch of Timbuctoo, escrita íntegramente por él.
Aunque parezca increíble, Browning no triunfó ni con Drácula ni con Freaks. Con la primera, la Universal no quedó conforme debido a Bela Lugosi y a inconsistencias de guión, mientras que con la segunda las críticas fueron terribles y echaron abajo la carrera del director.
Fue a mediados de los años 20 cuando le llega el verdadero éxito, tras reponerse de una depresión, el abandono de su mujer y el alcoholismo, firma con MGM y tras The day of faith, se marca The unholy three (El trío fantástico), un éxito que se repetiría en un remake sonoro en 1930 con los mismos actores (esta sería la única aparición sonora de Lon Chaney).
Así, se producirían una serie de éxitos a finales de los años 20 como Garras humanas, una historia magistral sobre un triángulo amoroso entre personajes de circo, contada en escasos 70 minutos.
Y tras ello, como he dicho, el fracaso sobrevendría con lo que ahora se consideran sus grandes obras.
Se podría decir que esta película es la última junto con Milagros en venta, tras lo cual se retiraría a una casita en Malibú, donde en 1942 moriría su esposa y él se sumiría en la depresión y el cáncer hasta el final de su vida.

Sobre el film decir que cuenta la historia de un banquero que escapa de una cárcel en la isla del diablo, donde ha sido enviado por las falsas acusaciones de tres antiguos socios suyos. Obviamente, lo que busca es la venganza, y también recuperar el amor de una hija que siempre le odió por algo que no hizo.
Gracias a un amigo, descubre una pócima que permite reducir a los seres de tamaño y poseerlos como esclavos, y es ahí donde comienza su venganza.
Podría decirse que esta historia es algo así como la versión freak de El conde de Montecristo que ya escribiera Dumas.

Los actores rozan la sobreactuación y los maquillajes son algo estridentes, pero ver efectos especiales como estos, en la época en la que están rodados tiene su mérito y su belleza. Cuando vi esta película, acto seguido me puse a ver El increíble hombre menguante, de Jack Arnold (1951), que repetiría una fórmula parecida, encumbrada dentro de la serie B de la época. La comparación es odiosa, pero he de decir que la de Arnold es bastante más aburrida que la de Browning. No me refiero a que los argumentos se asemejen, sino a que Muñecos infernales tiene una trama creciente en la que la disminución de los personajes es un gag técnico, mientras que la de Jack Arnold se basa únicamente en el recurso cinematográfico y no aporta mucho más, pues no saca partido del rechazo social que el ser ha de soportar ni de las relaciones con su esposa cuando ya es diminuto (guiño cinéfilo que brinda Almodóvar en Hable con ella y que me parece magnífico. Cuando un Fele Martínez diminuto se cuela en la vagina de su amada).

Es una película recomendable con alguna simpleza típica de Browning, como el uso de tópicos o las caracterizaciones chuscas, pero que entretiene muchísimo, es breve y cuenta una historia de traición, venganza y amor paternal, en la que hay disfraces, esclavos diminutos, robos, asesinatos y finales depresivos.

Valoración: 8

2000 maníacos. Herschell Gordon Lewis. 1964

2006-10-08T21:29:00.000+02:00

Two Thousand Maniacs! es una de las primeras películas consideradas gore en la historia del cine. Forma parte de una trilogía junto a Blood Feast (1963) y Color me blood red (1965), siendo esta de la que hablo la segunda parte de la llamada Trilogía de la Sangre.
El director es uno de esos seres extraños, considerado el padre del gore, que comenzó en los 60 algo radicalmente nuevo y chocante, un cine zafio, absurdo y sin pretensiones. Al igual que durante los 50 se hicieron un montonazo de películas sobre monstruos, extraterrestres y paranoias a cada cual más absurda, que llevaban al público norteamericano al cine de provincias (no sólo se veían los clásicos tan oscarizados), durante los 60, llegó el señor Lewis y dijo que tenía que estar todo centrado en la sangre y en la depravación.

Por aquel entonces su competidor era un tal Russ Meyer, que se abría paso entre lo rancio con tetas inmensas (¡y sin silicona!), persecuciones y patadas en los huevos. Había que elegir entre un tema u otro, y parece ser que al comienzo le fue bien a Lewis con su ya citada trilogía (el triunfo en taquilla llegó con la segunda, 2000 maníacos). Pero ya en 1965 Meyer se sacaba un as bien grande la manga llamado Faster, Pussycat! Kill! Kill! y fue ahí donde la cuesta abajo de Lewis se hizo palpable. No había lugar para tanta transgresión.
En esos dimes y diretes estaba la cosa cuando el actor fetiche de Lewis lo abandona por no querer "estancarse" en un rodillo imparable de películas absurdamente malas y repetitivas, llegando a 1972 con decenas de películas muy chuscas, para finiquitar su carrera de director con Gore gore girls (que no he visto).
Russ Meyer ya estaba encumbrado en una nube y se haría con el mercado con las vixens y todas sus secuelas, a saber, tetas cada vez más grandes.

Sobre la historia qué decir. Pues que trata de la celebración del centenario por parte de los habitantes de un pueblo llamado Pleasant Valley, y para ello engañan a seis extranjeros que circulan por la carretera comarcal cercana, haciéndolos desviarse sin querer al centro de su pueblo. Al principio son recibidos con una alegría desmedida que los hace sospechar. Y es que hay gato encerrado. Es una peli gore, no nos engañemos. No hay drama sentimental entre un extranjero y una pueblerina. No hay comedia aunque se estén riendo toda la película. Y no cuento más porque no quiero destrozar los detalles macabros. Lo que sí que hay es música. Un banjo que suena a persecución y que viene a ser el equivalente a la turuta caranavalesca pero aquí en plan sureño.

Divierten las escenas gore en sí. Lo demás es aburrido. La peli dura poco y entretiene algo. Se ve más por la curiosidad que por otra cosa.

En su lápida dijo que le gustaría que escribieran: "VIO ALGO DISTINTO. Y LO HIZO"

Valoración: 4

La carrera de la muerte del año 2000. Paul Bartel. 1975

2006-08-15T00:07:00.000+02:00

Esto es cine divertido por varios motivos. Hay acción, hay interpretaciones caricaturescas y cutres, hay coches, hay velocidad, hay hostias, hay explosiones, hay tías desnudas, hay malos no tan malos, ¡y no hay buenos!, y la muerte es el elemento fundamental de la historia.

En 1975 Roger Corman, ya había pagado la mayoría de la serie B de la época. Incluso se podría decir que continuó financiando y rodando esa serie B chusca que todos conocemos de los 50 e incluso dirigió esas curiosas piezas con Vincent Price, Karloff o Lorre.
El director es un desconocido actorucho que rodó unas cuantas pelis hace décadas, entre ellas también Cannonball, que va de carreras y el prota es David Carradine (también sale Stallone).

Y sobre los actores qué decir. El principal es David Carradine, que aquí hace de una especie de superhéroe malvado vestido como Darth Vader (literal) y que se apoda Frankenstein. Luego está Sylvester Stallone, que empezó en esta película gracias a su talento como piloto. Antes de esto había hecho porno (no he investigado mucho pero es algo bien sabido), en 1968 hace una aparición en Bananas, de Woody Allen (escena antológica haciendo de matón con otro en el metro, donde no tiene ni texto) y después de estas peliculillas le llegaría el éxito con Rocky (1976). Sobre el resto del reparto pues nada, varias tías buenas de la época que salen desnudas en alguna escenilla y algunos actorzuelos mediocres en papeles secundarios.
La historia va de que en el año 2000, en un futuro hipotético, hay en Estados Unidos una carrera de coches que es el deporte nacional por excelencia. En tal carrera participan 5 coches "tuneados" y han de atravesar todo el país de costa a costa en el menor tiempo posible. Y además, con un detalle: atropellar a gente da puntos, valiendo más los bebés y ancianos, que las mujeres y más aún que los hombres jóvenes (¿no debería ser al revés?).
En cada coche va el piloto con su copiloto, y la carrera transcurre por muchísimas aventuras y percances.
Y bueno, mi impresión acerca de todo esto es genial. La película es el argumento del videojuego Carmageddon punto por punto. La estética de los coches es tan... cutre (el equipo A tenía más gusto) que me recuerda a los autos locos. Carradine viene a ser Pierre Nodoyuna. Stallone es una especie de bestia que tuerce la boca y gruñe, y también atropella (quizá aquí se gestó el personaje de Rambo). Y el resto de corredores son un julandrón que ni recuerdo porque muere a la primera de cambio, y dos tías que se odian y no trascienden.
La lucha que mantiene Stallone con Carradine es uno de los juegos de la película, pero hay más, y es que Carradine (Frankenstein) da para más. Por un lado está el rollo con su copiloto (una rubia buenorra) la cual planea joderle la carrera con ayuda de los rebeldes franceses (sí amigos, los que quieren joder la carrera son los franchutes). Por otro lado está su reputación de héroe nacional que vive de atropellar. Y por otro lado un deseo secreto que lo encamina a un destino peculiar.Y es que todo eso, es mucho para un hombre, pero no para un tipo que es en sí mismo el pequeño saltamontes, Frankenstein y Bill. Porque este tío se pone una máscara de Darth Vader (Star Wars es de 1977) para engañar a la peña, no para tapar sus taras como Superman, ¡sino todo lo contrario!
Desborda testosterona de la rancia. De esa que hace carcajearse a los tíos. Quizá porque el parachoques de su coche tiene dientes, y claro, eso te da confianza en tí mismo.
Entiendan una cosa. Es el año 2000. Es el futuro. La gente es nazi. La gente se divierte viendo morir a otros por televisión. El presidente es un ser supremo que vive en China. Y el premio de la carrera es dar la mano a ese ser supremo (que por cierto es un triste calvo). Los franceses quieren democracia y abolir la carrera. El malo es malo porque es mala la sociedad, y por eso no es malo. Y para colmo, su novia le intenta matar todo el rato y él le viene a decir Venga anda... cuántas veces te tengo que perdonar la vida para que follemos.
En serio, es memorable. Es una cima de la serie B. Es imposible no ver en ciertas persecuciones a Spielberg en El diablo sobre ruedas. O ese porno light de los 70, en otras ocasiones. Y todo aderezado con unos estereotipos magistrales. Hasta hay una fan de Frankenstein que se viste de Virgen y se inmola [ver foto de chica con F en la pechera] (Tras atropellarla Frankenstein responde a su copilota que le ha preguntado ¿Por qué ha hecho eso?, con un lacónico Estaba enamorada de mí).
Como curiosidad decir que Corman está financiando para 2008 un proyecto llamado Death Race 3000, que transcurrirá en 2020 (¿imagináis lo que sería atropellar con coches voladores?)

Valoración: 7

Las tres luces. Fritz Lang. 1921

2006-08-09T23:05:00.000+02:00

Esta película se llama Der Müde Tod, titulada en inglés Destiny y en español Las tres luces. Es la primera gran película de Fritz Lang y ya aparecen aquí las claves del expresionismo alemán del que Lang sería su cima y Metrópolis la refrencia. Hablo de luces, sombras fantasmagóricas, muros infranqueables, edificios deformados...

La historia dura casi dos horas y se basa en una pareja joven que se detiene en una posada de un pequeño pueblo. Poco antes, se sube a la diligencia un misterioso hombre de negro que da mucho miedo. En la posada, mientras la chica va al servicio, el hombre de negro convence al joven enamorado y se van juntos. A partir de ahí ya nadie vuelve a verlo y la chica comienza a buscar a su novio desesperada. Llega hasta la pared gigantesca (sin puertas) que rodea la finca del hombre de negro, y allí, al observar a un grupo de almas atravesar el muro, tiene lugar su trato con el hombre de negro, que no es otro sino la Muerte.
El trato consiste en conseguir que no se apaguen tres velas (que son las almas de tres amores en otras épocas) y tiene hasta las 11 para cumplirlo. Las épocas y lugares son la India hace cientos de años, un emirato musulman antiguo y un principado renacentista.
Hasta aquí puedo contar.
El uso de recursos visuales se reduce a sombras, encuadres y "apariciones" (esos negativos empalmados, típicos de los años 20). Hay momentos magníficos cada vez que aparece la Muerte, por sus poses, su carisma y su porte. Y si algo destaca en la película es la sencillez del montaje y la grandiosidad de la historia.
Diría que es una simple historia de amor, pero el hecho de que la Muerte en persona juegue un papel crucial, que se viole el tiempo y el espacio yendo a épocas históricas distintas (a modo de reto) y que el desenlace surja de la sencillez del amor (piensen lo que quieran), hace que tras verla te quedes pensando Qué peliculón más sencillo. ¿Por qué? Porque con cuatro planos bien bonitos nos habla del amor, la vida y la muerte, y ante tanta trascendencia no podemos más que abrir la boca asombrados.
Obra maestra.

Valoración: 10

Aaltra. Benoít Delépine y Gustave de Kervern. 2004

2006-08-09T21:55:00.000+02:00

Aaltra es un título extraño para una película extraña. Se trata de una peli francesa estrenada aquí este año que debió durar una semana en algún cine de v.o. de Madrid y no más.
Está escrita, dirigida y protagonizada por los dos tipos de la foto, Delépine y de Kervern, que lo poco que han hecho, casi lo han hecho juntos íntegramente. Cabe decir que han vuelto a rodar otra peli llamada Avida, que está fechada en este año.

La película es en blanco y negro retocado digitalmente, con algún que otro negativo y saturaciones varias. Que el blanco y negro es un recurso, estoy de acuerdo, pero hay que tener mucho ojo con esto. Pienso que si el uso de esta técnica se usa para tapar problemas de guión, es como pintar un pedazo de mierda con pan de oro, ahora que si detrás hay chicha, pues adelante con la seriedad del blanco y negro. Y diga que sí, que quedan unos pasajes muy bonitos, de galería de fotos oiga.

Por otro lado, hablaré brevemente de la historia. Se trata aquí de que los dos protagonistas, dos vecinos que se odian por problemas de convivencia, sufren un accidente simultáneo que los deja paralíticos nada más empezar.
Ahí empieza la verdadera historia de dos enemigos que desean la muerte del otro y que a fuerza de convivir y de alguna que otra casualidad van ayudándose mutuamente.
Les pasan multitud de percances, desde robos hasta palizas, y muchas otras cosas que los van uniendo en la invalidez.
Una vez "unidos" empieza una vida de pícaros que no hace mucha gracia la verdad. Son situaciones absurdas, pueriles, que dejan al espectador mirando pasar los silencios entre que un coche les deja en la carretera y otro les recoge.

Y se me olvidaba decir una cosa fundamental, y es que esta película está pagada en parte por Kaurismaki. Dicho esto, ya saben a qué atenerse.

Dura unos 85 minutos y se deja ver; incluso con ése final absurdo que te dices Joder, qué parida. Y aunque hablen de humor negro todas las críticas, no hagan caso, porque el hecho de que los pícaros sean dos inválidos, los cuales son unos cabrones dicho sea de paso, no es relevante para la clase de humor que aquí se plantea. Tal humor es absurdo y simple, sin palabras. Pero no piensen en un humor irónico o cínico, porque es tan parco que no va más allá del suceso (una marea que los aisla, un viejo que mira impasible cómo se llevan el carrito motorizado de su anciana esposa, etc.)

No hablo de que todo lo anterior sea una desventaja, sino digo que se preparen para una sesión de Kaurismaki en francés.
La película es original y se mete en temas que aún hoy son tabú para muchos. Por esa valentía y todo lo anterior, gusta.

Nota: hay un momento freak en el que un finlandés (porque viajan a Finlandia) se pone a cantar en un pub (había un concurso) la canción de Sunny. Mientras eso ocurre, el jurado (una panda de tipos rudos) miran sin pestañear al fulano que se acerca diciéndoles I love you.
Pintas del fulano: una especie de chaqueta mezcla de chándal y americana de cowboy y barriga con forma de pera gigante (giganticus peris). Miren el reno:

Valoración: 6

Tarde de perros. Sidney Lumet. 1975

2006-08-07T23:31:00.000+02:00

Diría casi sin dudar que todas las películas de robos a bancos tienen como referente esta película.

Ayer mismo volví a ver un pedazo de Operación Swordfish, que ya había visto hace mucho y la estaban poniendo en la tele. Era la escena del robo al banco, cuando los rehenes tienen unos collares bomba adosados al cuello. Instintívamente comparé eso con Tarde de perros. La comparación fue devastadora, claro. Pensé que vaya mierda de robo el de Travolta, que tenía que llevarse a un ejército enterito y usar collares bomba, mientras que el pobre de Pacino, salía él solito y entraba del banco como Pedro por su casa, y además, tenía el apoyo de todos sus secuestrados. Por referirnos a algo más reciente aún, está la de Plan Oculto, de Spike Lee, donde el "hermano" se marca una peli de palomitas que me gustó mucho, y que sin ser gran cosa, me divirtió casi 2 horas y eso, ahora mismo, es muy raro.

Fin del encumbramiento. La peli trata del robo a un banco por parte de tres ladronzuelos, que se quedan en dos nada más sacar las pistolas porque uno huye. Esos dos son Pacino y John Cazale (Fredo en El padrino I y II y Stosh en El cazador), casi nada.
Pero se puede hablar de un único protagonista porque Pacino, un hombre "peculiar" con problemas, que aspira a dar El gran golpe, es un buen tipo, de esos que mira por el bien de todos y de lo cual se da cuenta la gente a poco que le apunten con un arma. Así, a los 10 minutos ya es colega de todo el banco, y a los 20 se granjea la amistad del público congregado fuera en todo el circo mediático que se monta, más que nada porque reparte dinero y dice cosas que nadie se atreve a decir.

Esta película habla de eso, del poder de los medios de comunicación. De la volubilidad de la masa y del sueño americano. Podría decir que la peli es un thriller apasionante pero estaría mintiendo, es un drama sencillo sobre la frustración de un don nadie. Y todo transcurre casi íntegramente en la propia sucursal, una de esas sucursales de banco americanas con su segurata negro achacoso, sus mostradores antiguos y demás clichés setenteros.

Aquí está la prueba de todo lo que digo.

     TV NEWSMAN
   But I mean, why do you need to
   steal?  Couldn't you get a job?

     SONNY
   Get a job doing what?  You gotta be
   a member of a union, no union
   card - no job.  To join the union,
   you gotta get the job, but you
   don't get the job without the card.

     TV NEWSMAN
   What about, ah, non-union
   occupations?

     SONNY
   Like what?  Bank teller?  What do
   they get paid -
    (now looks over at
    girls who offer the
    information - $135.37)
   ... they pay one hundred thirty-
   five dollars and thirty-seven cents
   to start.  I got a wife and kids.
   I can't live on that -- You want to
   live on that?  What do you make a
   week?

     TV NEWSMAN
    (swiftly, evasive)
   I'm here to talk to you, Sonny, not
   ...

     SONNY
   Wait a minute ... I'm talkin' to
   you.  I'm askin' you a question ...

     TV NEWSMAN
   The audience is interested in you,
   Sonny ... not me.

     SONNY
   Yeah!  We're hot entertainment,
   right?  You got me and Sal on TV ...
   we're entertainment you sell, right?

     TV NEWSMAN
   You're news, Sonny ...

     SONNY
   How much you have to pay an
   entertainer to fill this slot?

     TV NEWSMAN
   Newsman, not ...

     SONNY
   Okay, newsman.  How much you make a
   week?
    (beat)
   You're not talkin'.  You payin' me?
   What have you got for me?  We're
   givin' you entertainment ... what
   are you givin' us?

     TV NEWSMAN
   What do you want us to give you?
   You want to be paid for ...

     SONNY
   I don't want to be paid.  I'm here
   with Sal and eight other people ...
   and we're dyin'!  They're gonna
   blow our guts out, man!  You're
   gonna see our brains onna sidewalk!
   How's that for all you shut-ins and
   housewives to look at!  You gonna
   help, or you just put it on instead
   of AS THE WORLD TURNS?  We're dyin'
   here!  What have you got for me?

     TV NEWSMAN
   You could give up.

     SONNY
   Oh yeah?  Give up?  You ever been
   in prison?

     TV NEWSMAN
   Of course not ...

     SONNY
   Then talk about somethin' you
   fuckin' know about ...

At that instant, the TV screen switches to a PLEASE STAND BY
card and we hear an announcer's voice over:

     ANNOUNCER (V.O.)
   Ladies and gentlemen, our
   transmission has been temporarily
   interrupted.  Please stand by.

Y todo con una tensión y unos descabellos sobre los personajes que a medida que avanza la película te quedas hipnotizado esperando más y más cosas. Y luego acaba y te dices... Me río del sueño americano.

Nota para los que la hayan visto: sobre el secreto que se desvela del personaje de Sonny, casi al final, que rompe la película en dos y da una patada voladora en la boca del espectador, decir que me quito el sombrero ante Lumet por atreverse a pintar a un protagonista sin tabúes ni medias tintas. Chapó.

Valoración: 8

Hard Candy. David Slade. 2005

2006-08-07T20:50:00.000+02:00

Hard Candy es una película estrenada hace unos meses que fue muy bien acogida por las taquillas bajo el regusto de cine independiente norteamericano.
Voy directo al asunto. A mí, no me ha gustado. No digo que me parezca mala, pero no me acabó de gustar por lo que ahora comentaré.

Es reseñable la actuación de la chica (Ellen Page), de la cual no sabía nada y que hace un extraño papel de adolescente pija psicópata. El tipo protagonista es Patrick Wilson, uno de los actores de la última versión para cine del fantasma de la ópera (que no he visto).

La historia nos habla de pedofilia, tanto de supuesta como de real, y nos habla de culpa y de castigo. La diferencia con otras películas es que aquí hay una demagogia extrema al llevar al pederasta al extremo de la tortura para mostrárnoslo como víctima, para lo cual se sirve de una adolescente psicópata que trama un plan sádico y extremo. Ahí es donde radica toda la película, en esos 100 minutos de sadismo y repetición. No hay más. Al final se nos presenta una especie de explicación al por qué de los actos, lo que no hace sino ridiculizar la trama.
Hay películas sobre pederastas que hacen dudar de la repugna que tales seres provocan, me viene a la mente Brian Cox en L.I.E., que borda un papel de pederasta en el cual se muestra una vía malévola y otra "tierna" del personaje. Pero éste no es el caso.

Por hablar del comienzo, diré que la película se muestra engañosa porque es capaz de autocriticarse (ver las falsas apariencias en los gustos musicales: Goldfrapp; y la referencia literaria a un libro sobre Jean Seberg), o directamente cuando dicen "esto parece un videoclip". Así, es fácil querer mostrarse distinto, pero artísticamente no va más allá de unos giros de cámara que ocultan la sangre al espectador. Hay barridos de 360º que no muestran más de lo que se veía antes de producirse, (de lo cual se ocupan unos pantallazos rojos a modo de prevenda de la carnaza). ¡Y hasta hay luces estroboscópicas rollo videoclip! Si a esto se le añade una tonalidad azulada o verdosa (pensad en Traffic pero no tanto), tenemos una película modernilla.

Y bueno, cosas buenas tiene, y es que a fuerza de mantener la tensión, de no avanzar, entretiene, porque el público está preparado para una tortura sádica, para abochornarse y esperar lo peor, y es ahí donde radica la tensión. Sin embargo, no hay nada si se piensa bien. Eso sí, repito que es pasable, y mucha gente dirá que pasó un mal rato y que patatín..., porque tiene un fondo interesante pues plantea muchas cosas. Bueno...

Si han visto Audition (en IMDB) esta peli es lo mismo pero cambiando ciertos valores morales por pederastia. La diferencia es que Audition era divertida, había sangre y mutilaciones. Y aquí, lo único que hay es un director que quiere hacer una especie de Funny Games (en IMDB) en plan modernete, y no, no le sale.

Valoración: 5

Simón del desierto. Luis Buñuel. 1965

2006-06-17T20:24:00.000+02:00

Simón del deierto es un mediometraje de Luis Buñuel. Dura 46 minutos y es una obra inacabada del genio de Calanda. Qué más se puede decir de esta comedia histórica. Pues que en ella se retrata la historia de Simón, un asceta del siglo IV que, cual Jesucristo redivivo aspira a ser digno de Dios siguiendo un camino de ayuno y oración. Lo que envuelve al iluminado, es un séquito de monjes que lo adoran y unas cuantas gentes (reseñables son el pastor enano y una anciana taciturna). De entre todo esto surgen situaciones cómicas basadas en los prejuicios religiosos y la confrontación de vivir asumiendo el protocolo de Dios. Lo mejor de la película, inclasificable de todas todas, es ver a Silvia Pinal en el papel de Satanas, tentando de varias formas (muy curiosas todas) a Simón.

Que se esconde por debajo de esta obra. Pues en 1965 Buñuel ya era un genio sin parangón, reconocido en todos los lugares menos en España. Tras su inicial etapa surrealista francesa, y la posterior época mejicana, que se alargaría muchísimos años, Buñuel empezó a rodar desde mediados de los 50 a caballo entre ambos países, firmando obras para productoras francesas y para la Estudios Nacionales mejicanos. No se puede hablar de un declive en su obra, pues pocos años después vendrían Belle de jour, La vía láctea o El discreto encanto de la burguesía.

Silvia Pinal me ha enamorado con esta película. Elegir a una mujer como ella para encarnar al demonio, y hacerlo en forma de colegiala con ligueros, de pastor (que no pastora) con una barba postiza (¡y chuta a una oveja como en La edad de oro, a un perro!) o salida de un ataud que llega arrastrándose solo, mostrando un pecho cual Dafne cachonda, es impagable.

El sentido del humor de Buñuel es increible. Su odio por la Iglesia es tan visceral y tan argumentado que roza lo obvio. Habla de praxis y ascetismo, se ríe de sus dogmas, y al igual que en El anticristo de Nietzsche, nos señala que el catolicismo es una antítesis de la vida, una búsqueda de la antifelicidad.

Simón, a través de sus pensamientos, nos señala su existencia carnal, sus deseos de felicidad, y su privación consciente nos viene a indicar la estupidez de la religión. Una fe basada en la negación que, incomprensiblemente triunfa entre la masa.

Con un final chocante en donde se nos pinta un infierno sesentero aparece una reflexión increible sobre la vida y el placer, y se retrata a Simón en la figura de otro hombre, que fuma en pipa, y donde Claudio Brook, al igual que su alter ego ascético, desdeña la diversión y la felicidad.

Simón: ¿Cómo se llama ese baile?
Satán: "Carne radiactiva" Es lo último... ¡Y el último!

Diría que junto con La jetée, de Chris Marker (1962), es el mejor mediometraje que he visto jamás.

Una obra maestra del humor inteligente. Ved, ved La vida de Brian y buscad diferencias (la principal: aquí hay praxis).

Valoración: 10

Apocalypse Now. Francis Ford Coppola. 1979

2006-05-16T21:45:00.000+02:00

Me encanta el olor del napalm por la mañana.

Basada en la novela de Joseph Conrad llamada El corazón de las tinieblas, aunque aquí el escenario se sitúa en plena guerra de Vietnam, esta película constituye una referencia básica en la historia de cine.
Todo el mundo ha visto esta película. No hay quien no conozca la cabalgata de las walkirias y ello gracias a la carga en helicópteros al poco de empezar. No hay quien no haya recitado nunca la frase: Me encanta el olor del napalm por la mañana. Y desde que Marlon Brando consumara la interpretación más traumática de la historia, todo el mundo intuye lo que es el horror...

Y es que verla sin censuras (Redux) es ver otros 50 minutos más de historia en los que aparecen drogas, sexo y seres humanos. Si bien es cierto que la escena de la cena con los colonos franceses es un bodrio terrible que no aporta nada, la escena en el campamento con las playmates es preciosa por lo que aporta del presente norteamericano de entonces.

Como hablar de lo bien que está hecha o contar el argumento es estúpido, precisamente porque todo el mundo la ha visto (y el que no, que entre en Filmaffinity o en IMDB).
Por esto mismo, contaré otros detalles en plan curiosidad.

El primer actor en quien pensó Coppola fue Steve McQueen. Una vez metido de lleno en la pre-producción, la persona que iba a encarnar al Capitán Willard era... ¡Harvey Keitel! Sí, han leído bien. Ocurrió que dos semanas antes de empezar a rodar, Coppola lo reemplazó por Martin Sheen.
Si esta es la película de los imposibles, se entenderá por qué al saber que:

El rodaje de la película duró 238 días, un tifón arrasó los decorados y hubo de paralizarse el rodaje.

El 1 de marzo de 1977 Martin Sheen sufrió un infarto que le mantuvo alejado de la película hasta el 19 de abril de 1977, durante ese tiempo se filmaron planos generales con sustitutos y escenas que no requerín la presencia del actor.

La primera escena que se filmó fue aquella en un helipcótero lleva a Willard al barco con que remonta el río.

Los helipcóteros pertenecian al ejército filipino que llegó a interrumpir el trabajo para combatir a la guerilla comunista.

La elección del final generó muchas dudas durante la filmación y controversias una vez estrenada, Coppola volvió a la fuente que inspiró el guión: 'El corazón de las tinieblas' de Joseph Conrad para escribirlo.

Se estrenó el 19 de agosto de 1979.

También se sabe que el guión de Apocalypse Now estaba pensado originalmente para que fuese dirigido por George Lucas, el cual estaba apadrinado por John Milius. Eran los primeros 70s y Coppola estaba atareado triunfando con El padrino. La idea de Lucas era hacer un documental sobre Vietnam in situ. Lo que ocurrió fue que en esa situación, se terminó la guerra y Lucas se quedó sin idea. En 1976 Lucas ya estaba enfrascado en Star Wars y dejó a Coppola que hiciera la película que quisiera sobre la obra de Conrad.

Más cosillas. Coppola le dijo a Al Pacino que si quería ser Willard, y éste le respondió que no estaba dispuesto a estar metido cinco meses en una ciénaga. Al final, el rodaje duró ¡16 meses!
Tras estar tropecientos meses editando la peli, Coppola no estaba conforme con algunas frases de Sheen, y como la voz de éste estaba muy cambiada por aquel entonces, utilizó a su hermano (Joe Estevez) para repetir algunos párrafos.
El buey que despedazan al final, es real.
Sam Bottoms (Lance B. Johnson en la peli es el surfista) no se hace el drogado sino que estaba puestísimo de LSD, speed y marihuana.
No hay títulos de crédito iniciales. Ni siquiera aparece el título de la película.
Coppola intentó suicidarse varias veces durante todo el desarrollo de pre-post-producción.
Si os fijáis (esto no lo sabía pero es cierto) Dennis Hopper y Robert Duvall, desaparecen del filme para siempre en la misma posición, en cuclillas.

Y no sigo porque quien esté interesado en saberse todo, todo y todo acerca de detalles como estos, puede entrar aquí, y seguir leyendo.

Rubén, espero que lo que he contado te satisfaga.

Valoración: 10

Un año en la luna. Antonio María Gárate. 2005

2006-05-14T21:54:00.000+02:00

Cine español bueno, bonito y barato. Esta peli sigue o precede la estela de AzulOscuroCasiNegro, sólo que es más sencilla y está contada con menor artificio si cabe.
El otro día, por la tarde me bajé sólo al cine de mi pueblo porque la filmoteca regional proyecta los viernes a las 20h películas estrenadas hace unos meses que no son ni mucho menos de relumbrón. Miré el argumento en Filmaffinity y me dije que mejor eso que estar tirado en casa, y además no duraba más de hora y media.
El director Antonio María Gárate ya dirigió hace diez años una peli llamada Besos y abrazos, de argumento parecido. Ahora viene con ésta de la que ni siquiera conocía su existencia.

Al comienzo de la película, rodada en digital (creo recordar) me dije Joder, espero que no sea como las de Cesc Gay, porque ese rollito intelectualoide treintañero me apetecía menos que una sopa de ajo. Y al poco descubro que no. ¡Bien!

Los actores son bastante desconocidos para mí. Uno de ellos, es el calvo de El bola (Alberto Jiménez), otro es uno que salía en Compañeros haciendo de profesor (creo) y para de contar. Los demás, completos desconocidos que rondan los veintipocos y que he de decir que lo hacen francamente bien.
Si los actores de la peli de Sánchez Arévalo eran cojonudos (menos Marta Etura que no me gustó nada y era la más famosa), estos no se quedan atrás. Estos son buenos indicadores de que hay cantera en el panorama español. Le manda cojones que el Almodóvar se traiga a Penélope Cruz de L.A. (cuya única película en la que está bien es La niña de tus ojos) pudiendo tener actorazos por menos dinero. En fin, que esto es otro rollo.

Técnicamente es sencilla, no hay artificios ni giros de cámara. El montaje es cuidado, aunque a veces hay chorradas de guión como que la chica salga del bar dejando tirado al chico y ella se quede justo delante de la ventana de él, cuando ella sale de plano, es él quien sale corriendo a ocupar el lugar que dejó ella. Es demasiado fácil y manido. Pero bueno, no quiero hilar tan fino y ver fallos por aquí y por allá.

Copio la sinopsis de Filmaffinity (espero que no me acusen de plagio) porque lo cuenta todo muy clarito y no desvela nada:
"Buscan una relación a cualquier precio. Se enamoran, quieren comprometerse, pero todo se viene abajo cuando descubren que lo que tienen no va más allá del sexo. ¿Qué hacer entonces? La acción comienza a finales de septiembre. ÍÑIGO (18) viene a Madrid para estudiar Psicología, y se queda en la casa de su hermana ESTHER (25), que comparte piso con Gabriel (30), un escritor de relatos porno. Ella no pasa por un buen momento y no le hace ninguna gracia la llegada de su hermano. Gabriel está encantado. En la facultad, Iñigo conoce a SONIA, una chica misteriosa. Se siente muy atraído por ella, y ahí empiezan sus problemas. Esther trabaja en una agencia de viajes y tiene una relación con su jefe, JAVIER (30). Sabe que en la vida de él hay otra mujer, pero Esther confía en que Javier la deje. Gabriel conoce a ALMUDENA (24), una chica de buena familia que se va a casar con el eterno opositor. Entre ellos se desata la pasión. Todos se ven a escondidas, a veces también se citan en La Luna, un bar del centro de Madrid. Lo lleva Alberto (35) un hombre muy ilusionado con su negocio, pero con serios apuros económicos. Alberto también esconde una historia de amor."

Esta es una peli cercana, en la que te sientes identificado con las acciones de los personajes. Si bien hay algunos sucesos algo extravagantes, ello sólo hace que te veas en el hipotético caso de si te hubiese ocurrido a ti. Es una de esas películas en las que sonríes, deseas que el personaje haga lo correcto y que, cuando ves con tu abuela, la anciana dice en voz alta ¡No! ¡Déjala, que no te conviene! Y tú, como eres educado, te callas, pero desearías decirle al personaje que se está equivocando, que eso no es lo correcto.

Y al final sales del cine contento porque has visto una película sin pretensiones, madura, que te ha entretenido, has sonreído, te ha puesto en vilo en algún momento y al final, ha terminado como querías.

Valoración: 7

¿Dónde está la casa de mi amigo? Abbas Kiarostami. 1987

2006-05-14T21:19:00.000+02:00

El cine iraní no es necesariamente para forofos del cine. Ver cine iraní no es ninguna frikada ni ningún acto de pedantería ni nada por el estilo (Secundo lo dicho en Trueque Mental). Y partiendo de estas premisas, me dispongo a contar lo que me ha parecido esta película.
¿Dónde está la casa de mi amigo? es una película antigua en la filmografía de Kiarostami, si bien empezó en los primeros 70s, no es hasta después de esta película cuando empieza a ser considerado internacionalmente, hasta llegar a convertirse en el adalid del cine persa en la actualidad.
No hemos de olvidar que el cine iraní se prodiga grandemente en este tipo de obras, llegando hasta nosotros las obras de mayor calidad (desconozco si en Irán se hace más cine aparte del de los Ghobadi (Las tortugas también vuelan), Panahi (El círculo, El espejo), Makhmalbaf (Kandahar), etc.).
Esta película es lo más simple del mundo. Dura, sin contar los créditos, 77 minutos. Está rodada con planos fijos y las secuencias en las que el protagonista se desplaza de acá para allá, no se alargan demasiado (digo esto porque a veces Kiarostami es lento y tedioso hasta la náusea).
Lo que importa aquí, es el argumento. Un niño llamado Mohamed llega a clase sin hacer los deberes por segundo día consecutivo, y el profesor le dice que si el hecho se repite, será expulsado. Por error, al acabar la clase, su compañero de pupitre (Ahmed) se guarda el cuadernillo de Mohamed. Cuando Ahmed se da cuenta de ello, empieza una aventura para el niño en busca de su amigo que nos mantendrá en un sinvivir constante hasta un final redondo.

No me digan que una historia así no es simple. Pues bien, Kiarostami se marca un pelotazo de valores que te dejan temblando al acabar la película. Piensen en ése pobre niño (¡tiene 8 años!) que busca al compañero y para ello se enfrenta a la autoridad de sus mayores, se escapa, es ignorado por los adultos que encuentra, se pierde, se hace de noche...
Cada segundo que transcurre sabes que las cosas para el crío no van a mejorar, y ésa angustia, que no es comparable a la generada por el asesino que espera tras una puerta, sino que es mucho peor, porque es la angustia de un niño que ha de regresar a su casa por la noche, atravesar una colina a oscuras, ir por entre las sombras donde unos perros ladran ferozmente, ésa angustia decía, es una angustia real, un temor que va dentro de cada uno de nosotros y que alguna vez hemos padecido de niños, que luego perdura en nosotros y se manifiesta de mil formas...

Por eso esta película es grande. Grande porque contando una historia de solidaridad como ninguna heroica norteamericana se haya hecho, "sólo" relata un día normal y corriente en la vida de un niño que busca tan sólo que no expulsen a su amigo.
El fundido en negro final lo dice todo. Kiarostami viene a decirnos: Así es la vida, y por un error se tambalea el mundo.

El niño protagonista está portentoso. Tiene una cara de pobrecillo que creo que sin él, no habría película. El único pero, que la he visto doblada y los doblajes orientales son algo chuscos.

Valoración: 8

AGALLOCH. Música para ir muriendo

2006-05-03T17:09:00.000+02:00

Portada de Agalloch & Nest: Wolves of Timberline

Sitúense en Oregon, en grandes superficies arboladas sin gente, en una furgoneta destartalada que circula a toda velocidad por una carretera sombría... En la sensación de soledad y angustia que subyace en ésas imágenes llega a nuestros oídos esta música.
Agalloch son un grupo de chavales jóvenes, que hacen una mezcla de doom (piensen en el Epicus, doomicus, metallicus de Candlemass (1986), o en los primeros Black Sabbath), y que llevan casi 10 años haciéndolo. No se han prodigado mucho, ni se han hecho famosos. Hace un lustro más o menos, firmaron por The End Records, una discográfica que se dedica a estos estilos musicales, y que tiene en sus filas a Ulver, Novembers Doom, Antimatter, y más...

Todo ha sido crecer y crecer, hasta convertirse en un grupo de culto que, cada vez que saca disco, supera lo anterior y marca dieces en todas las críticas musicales especializadas. Para que voy a decir que son uno de mis grupos predilectos.

Con títulos como A celebration for the Death of Man o ...And the Great Cold Death of the Earth, ya apuntan maneras. Y es que son oscuros, lentos, lacónicos y tristes.
Es la música perfecta para aislarse y estar quieto viendo caer nieve.
Hay guitarras acústicas que apenas mueven dos notas en varios minutos y son unos pequeños golpecillos acompasados los que marcan el ritmo en unos in crescendos preciosos.

En algunas canciones hay voces, siendo gritos desgarradores alargados hasta mezclarse con la monotonía del ritmo decadente. En ocasiones aparecen pequeños cortes de películas, diálogos extrañísimos (hay uno incluso en español de Fando y Lis, la desbarrada de Jodorowsky y Arrabal) y partes instrumentales hermosísimas.

Lis: Yo, moriré... y nadie... se acordará... de mí... de mí...

Fando: Sí Lis. Yo me acordaré de ti. E iré a verte al cementerio con una flor y un perro.

Y en tu funeral cantaré, en voz baja: Qué bonito es un entierro.

Añado un dato. Y es que el grupo tiene dos líderes. Cuando dirige uno son Agalloch, y cuando dirige el otro son Sculptured, que tiran más del death melódico, y que están muy bien también.

Esta es la clase de música que desearía oír mientras muero.

Su web oficial es su myspace: www.myspace.com/agalloch
Su discográfica: www.theendrecords.com/label

Nota: Su mejor disco es The mantle, sin duda. Hay además por ahí, un split con dos canciones que salió en vinilo llamado Tomorrow will never come, que es apoteósico.

16 calles (Sixteen Blocks). Richard Donner. 2006

2006-04-23T21:49:00.000+02:00

Richard Doner (Arma Letal, Los Goonies, Superman, La profecía,...) es uno de esos directores ya viejos, que hacen su trabajo eficazmente desde siempre. Puede que lo que venda no sea una joya de la innovación, ni es underground ni original pero Richard Donner es un clásico del cine comercial de calidad. Lo que es de agradecer en tiempos de historias huecas, efectos especiales y artificios de cámara que no aportan nada.

Tras su última película, la mediocre adaptación de Rescate en el tiempo (Timeline) de Michael Crichton, vuelve con esta película de acción que da lo que promete. Esta película es un volver a los primeros 90s con un Bruce Willis cada vez más adorable, en lugar del loco de Mel Gibson en Arma letal.
Ahora también el asunto va de polis. Los hay buenos y los hay malos, y siempre está el tema del honor y la justicia, que hace de intermediaria entre los que van al cielo y los que se pudren en el infierno.
Jack Mosley es el personaje que interpreta Willis, un policía cansado de todo, alcohólico, viejo y achacoso, al que le encargan trasladar a un preso al juzgado para que declare. Sólo ha de recorrer 16 manzanas (que dicen los americanos), trecho que le separa del tribunal, y ha de hacerlo antes de las 10 a.m. Es el centro de Nueva York en hora punta: 118 minutos es el plazo de entrega. Pero surgen complicaciones...

Como secundarios aparecen Mos Def (Guía del autoestopista galáctico), el preso negro al que escolta, que hace de un pobre desgraciado medio lelo y que nunca cierra la boca, y aparte, David Morse, uno de esos secundarios típicos (Bailar en la oscuridad, La milla verde, Contact...). Siendo Morse un actor de segunda fila, cumple con su papel de poli corrupto, y Mos Def, que hacía gracia en la peli basada en el libro de Douglas Adams porque es un cómico, aquí se hace insoportable en algunos momentos. La pareja Willis-Def no me gustó por esto último.

También habéis de saber que en 1977 Clint Eastwood dirigió una de sus primeras películas, llamada The Gauntlet (Ruta suicida) con un argumento tan similar a éste, que de lo que aquí hablo roza el remake. La diferencia es que en aquélla, Clint escoltaba a una muchacha (su Sondra Locke) y todo era más humorístico que aquí.

Así que, ésta es una película simple, sin grandes artificios, con muchos tópicos, con una historia sencilla que se descubre desde los primeros minutos, donde la persecución es el principal aliciente y, los tiros, las escapatorias y las últimas oportunidades, se suceden a un ritmo endiablado. Eso sí, la película nos da a entender una cosa para posteriormente jugárnosla, porque Richard Donner no es un cualquiera, y sabe que para entretener y deslumbrar en el cine de palomitas hay que hacer algo más que matar a los malos.

Jack Mosley (Willis): No soy una buena persona...
Eddie Bunker (Mos Def): Yo tampoco...

Valoración: 6

e-link (película subs español)

Phantasm II. Don Coscarelli. 1988

2006-04-23T17:25:00.000+02:00

El otro día, y esto es una apología en toda regla al P2P, me puse a bajarme la saga completa de Phantasm (creo que son 4 películas, quizá más) porque hace ya unos cuantos años vi en la tele un rato una peli sobre un tipo viejo con corbata que me pareció estiloso, y recordé escenas sobre unas esferas asesinas de color plateado que me gustaron. Total, que quise recordar e informarme del asunto, y buscando buscando, llegué a que se trataba de la saga de Don Coscarelli.

Nadie adelanta al hombre alto

Este tipo, según dice IMDB es un seguidor de George A. Romero y su filmografía pasa, aparte de las aquí tratadas, por El señor de las bestias (1982) y por Bubba Ho-Tep (2002).

Como se puede intuir, esto es serie B en toda regla. Yo ya estaba preparado para ello, y por eso me puse a ver la hora y media de persecuciones, muertos e intriga (aquí los buenos van en busca del malo) de estos dos colegas: un calvo con pelo largo rollo camionero que da una grima inimaginable, y su colega que "engaña" al jefe del psiquiátrico en el que está recluído diciéndole que "ya no tiene ésas pesadillas" y lo dejan salir.
Así empieza la aventura en busca del "hombre alto", una especie de abuelete que tiene un ejército de enanos feos tipo ewoks sin pelo, otro ejército de sepultureros esclavizados, y tres esferas brillantes con poder para hacer pupa en el cerebro de lo que se ponga por delante (incluso el suyo), en su poder. Y una fuerza descomunal.

Se la cortó

Los tipos, que pierden a sus familias antes del minuto 5, se guían por los sueños premonitorios del loco (¡imagínense!) llegando a conocer a las chicas médium que el fulano ve en sus sueños (lío amoroso en primer fotograma de encuentro). El momento de escándalo es el folleteo que el calvo asqueroso tiene con una autoestopista joven, en dónde ella tiene el orgasmo peor fingido de la historia del sexo, sin quitarse las bragas y él sin desvestirse. Antes de llegar a eso, el diálogo de colegas que echan una meada juntos es:

- Reggie, a ésa chica la vi en sueños sólo que... allí estaba muerta. Por su bien no debemos implicarla.
- ¿Tus sueños son premonitorios?
- No siempre, pero sí algunas veces.
- Ah... Dime Mike, ¿la has visto bien?... Llevamos solos mucho tiempo... Bueno... uno no es de piedra...
- Reggie, cometerás una torpeza. Está en peligro.
- Sí, de acuerdo. Pero está en peligro con nosotros y sola. Al menos podemos protegerla ¿no? Yo lo encuentro lógico...
- Considerando que estás salido, yo también.
- En fin, menos mal.

Luego luchan contra el "hombre alto" que parece salido del infierno o de una peli de postguerra, y aunque parece que lo vencen pues no, porque luego hay más secuelas. Ya saben, final alegre truncado por susto final que da lugar a un volver a empezar pero con menos personajes (pues en la secuela se renuevan caras).

La película es mala, pero es bastante divertida. Tiene ritmo, algún diálogo cachondo como el que he transcrito, ése toque cutre del telefilm americano, tiene también monstruitos que los persiguen, tienen armas en plan Evil Dead (sierras mecánicas, recortadas tuneadas, granadas, lanzallamas caseros, etc.) Y lo que no tiene es el más mínimo estilo.

Si he visto Phantasm II antes que Phantasm I (1979) es porque en la mula, ésta llegó antes. En cuanto tenga tiempo me veré la primera parte, por completar flecos de la "historia", más que nada.

Sobre las otras de Coscarelli, pues decir que El señor de las bestias es la película que todo el mundo ha visto de chaval (a mí particularmente me aterraba esa peli) y que luego de mayor ves un trozo en tve1 (porque siempre la da tve1 por las tardes) y te dices a tí mismo que vaya bazofia.
La última relevante que ha hecho es la de Bubba Ho-Tep, que va de un Elvis no muerto, que convive en un geriátrico con Kennedy (que se ha convertido en negro), y ambos luchan contra una momia malvadísima. Lo mejor de todo y el hecho por el que me la estoy bajando: Bruce Campbell encarna al Elvis viejete y hay diálogos (según leo críticas) como:

[Elvis le cuenta al médico jefe que ha oído algo y el otro no le cree], así que Elvis le dice:
- Da igual, tengo un cáncer en la polla.

¡Que se la meta!

Tomen una de serie B... ¡con mucho ácido hidroclorídrico!

Valoración: 5

e-link (película doblada español)

Eternal Sunshine of the Spotless Mind (Olvídate de mí). Michel Gondry. 2004

2006-04-21T14:59:00.000+02:00

Michel Gondry es un director relativamente joven que empezó a finales de los 90 haciendo videoclips. Con esto no hemos de desdeñar de base la belleza de sus películas y las historias que en ellas se cuentan. Sólo recalcar que antes de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, únicamente había hecho Human Nature, que no tiene demasiada buena pinta y aprovecha el tirón comercial que tuvo el feo que salía en la infumable Bridget Jones. A pesar de ello, se juntó a Charlie Kaufman para escribir esta historia, y es ahí donde radica la gracia. Kaufman, que en los 90 se curtió escribiendo guiones de series norteamericanas, pasó al comienzo de ésta década a escribir guiones para cine que luego triunfaron bajo directores jóvenes (Spike Jonze en Cómo ser John Malkovich y Adaptation, o Clooney en Confessions of a Dangerous Mind).

La historia es bastante compleja, como parece habitual en Kaufman. Partiendo de un argumento de ciencia ficción "realista", como es la posibilidad de eliminar recuerdos a la carta, el protagonista interpretado aquí por un Jim Carrey no odioso, deambula por su cabeza desvirtuando recuerdos y negándose a perderlos. Se podría decir que es una triste historia de amor. Incluso se podría decir que es un drama absurdo, basado en un montaje caótico.
No se trata de viajes en el tiempo, pero lo parece. Los recuerdos, el estar en la cabeza del protagonista, el ver lo que se niega a olvidar, todo ello mezclado, hace que lleguemos a perdernos. Ésa cualidad es posible que sea un lastre para unos y una genialidad para otros (¿acaso Lynch no es genial por sus incoherencias? ¿acaso alguien -yo la he visto 3 veces ya- intenta comprender la trama de Mulholland Drive?) Esto es igual.

Sobre cómo esta hecha, decir que me gusta. La fotografía es triste, lacónica sin más. A veces, es la luz lo que importa. Es invierno. Hay una playa, hay una cama en una playa, hay nieve. Y luego hay una casa en la playa que se derrumba al igual que los recuerdos del protagonista despechado.

Destacar sobre manera la banda sonora. Los cortes compuestos como banda sonora propiamente dicha son de un tal John Brion, que ya creara no hace mucho las bso de Magnolia y Punch Drunk Love (ambas soberbias películas de Paul Thomas Anderson). Aparte, en el disco aparecen canciones de lo más variopinto; desde Wada Na Tod de Lata Mangeshkar que es hindú, hasta Mr. Blue Sky de la E.L.O. con la que dan ganas de saltar y ser feliz. Podéis descargar la banda sonora aquí.
También hay cortes de The Polyphonic Spree o el Some Kinda Shuffle de Don Nelson, y una emotiva versión de Beck de Everybody's Gotta Learn Sometimes. Ya digo, una joya.

Por otro lado, quiero decir que esta película puede incluso llegar a ser denostada por indies. Ya se sabe, cuando algo empieza a gustar a muchos, la "élite" empieza a renegar de ello. Lo digo con total convencimiento y ya hablaré sobre el tema en otra ocasión más profundamente. Y todo porque Gondry es un director joven que ha hecho videoclips para gente como Bjork, White Stripes o Chemical Brothers.

Sobre los actores, que aún no he dicho nada. El protagonista es Jim Carrey, actor que aborrezco, pero aquí lo hace bastante bien. No es histriónico ni basa su actuación en la mueca estúpida, más que nada porque... es un drama. Su partener (qué palabra tan bonita y tan en desuso) es Kate Winslet, que hace de enamorada de Carrey. Es una chica de personalidad inestable (momento tintes de pelo) y lo hace muy bien, llevando a un Carrey aburrido de la vida hacia un mundo que él no se atrevía a conocer. Aparte, los secundarios son Tom Wilkinson, Mark Ruffalo, Kirsten Dunst y Elijah Wood, todos ellos miembros de la consulta especializada en borrar recuerdos y participantes de la trama del "olvido" que sufre Carrey. No destaco a ninguno de ellos por encima de los demás, pues están aceptables en sus papeles y punto.

Sobre Michel Gondry, podéis ver en You Tube un corto que hizo en 2001 sobre un hombre que tras defecar es perseguido por su mierda hasta que lo acepta como hijo suyo y convive con él. Se llama One day... Está divertido. Ver aquí.

Bueno, se me olvidó decir al principio que en 2004 la película ganó el Oscar al Mejor Guión Original. Primer Oscar para Kaufman, un tío bajito que sólo ha concedido una entrevista en toda su vida y odia a la prensa. Ver detalles.

El título original de la película, que viene a traducirse como El eterno resplandor de una mente inmaculada, aparece en un verso de un poema de Alexander Pope llamado Eloisa to Abelard, y que además, se cita al final de la película.

Extracto:

How happy is the blameless vestal's lot!
The world forgetting, by the world forgot.
Eternal sunshine of the spotless mind!
Each pray'r accepted, and each wish resign'd;
Labour and rest, that equal periods keep;
"Obedient slumbers that can wake and weep;"
Desires compos'd, affections ever ev'n,
Tears that delight, and sighs that waft to Heav'n.
Grace shines around her with serenest beams,
And whisp'ring angels prompt her golden dreams.
For her th' unfading rose of Eden blooms,
And wings of seraphs shed divine perfumes,
For her the Spouse prepares the bridal ring,
For her white virgins hymeneals sing,
To sounds of heav'nly harps she dies away,
And melts in visions of eternal day.

Valoración: 9

e-link (película dual inglés-español)

Duro de pelar (Every Which Way But Loose). James Fargo. 1978

2006-04-21T01:22:00.000+02:00

Esta película sólo pueden verla dos personas: los fans de Clint Eastwood que soportan todas sus épocas y los fans del Equipo A.
Yo no soy ni lo uno ni lo otro, pero por la guasa que tiene el tema me dispuse a verla hace unos días.

En 1978 el cine americano estaba de capa caída, y la población que acudía al cine en tropel a ver ése nuevo fenómeno mass-media llamado Star Wars, pasó de Chewbacca a Clint en menos de lo que ahora pasan de Frodo a Vin Diesel.
El caso es que la culpa de todas estas películas lamentables de Clint Eastwood estriba en su mujer por aquel entonces, Sondra Locke. En ésta quasi buddy-movie, en la que el protagonista indiscutible es Clint pero que siempre está acompañado por su hermano, el cual da la sensación de ser el típico pueblerino lerdo, interpretado por Geoffrey Lewis, se mezclan unos personajes ya no estereotipados sino espantosamente cutres.
Sondra Locke aparece en la película haciendo de enamorada de Clint, la cual huye/raptada del lugar. La misión de Clint es salvarla y que regrese con él, con ayuda de su hermano y en un coche con caravana.

Hasta aquí un argumento banal, vacío y soso. Pero hay un factor que aún no he citado, y es que Clint tiene un amigo llamado Clyde que... ¡es un orangután!
Si amigos, es cierto. Es inverosímil e increíble y sin embargo funcionó. Fue un exitazo de taquilla en 1978. Tanto fue así, que en 1980 sacaron una secuela llamada La gran pelea (tengo pendiente el verla, aunque dudo si hacerlo...).

Con todos los elementos en juego he de contar algo acerca del rollo que envuelve a la trama, que es aquí lo sustancial y está por encima del argumento, obviamente. Esta película se basa en Clint Eastwood repartiendo hostias a mansalva entre camioneros sureños, obreros de camisa de cuadros sureños y moteros gays viejos que actúan como si se tratasen de una banda de patio intentando intimidar con su moto mientras enseñan sus tatuajes y siempre salen huyendo (ante Clint una primera vez, ante su madre anciana una segunda, ante un grupo pequeño de camioneros viejos, etc.). Por cierto, los moteros gays, también son sureños y se hacen llamar Las Viudas Negras (¿alguna duda acerca de sus pintas?).

Cada vez que Clint se enfada -y lo hace sin ningún motivo- (Ejemplo: unos tipos le invitan a su "novia", a la que ha conocido haciendo lo mismo que ellos un rato atrás, a una cerveza, y él se bebe la cerveza y monta el lío) hay hostias. Que a Clint le dicen algo acerca de su "mono", hay hostias. Que no le dejan coger los cacahuetes que el quiere racanear de una tapa de bar, hay hule. Y en eso consiste toda la película.

La gracia estriba en lo mal que se dan de hostias. Primera hostia de la peli: cámara detrás del hombro de Clint, el cual entona un derechazo al primer gordo que le increpa, sin llegar a tocarlo. Te ríes de lo patético. Recuerdas la escena mítica de El padrino en la que James Caan pega una patada a 20 putos centímetros del marido de su hermano (no osaré a decir cuñado, que James Caan sigue vivo y no quiero enfadarlo...). Piensas en eso y te ríes, pero luego cuando ves que todas las hostias son así, sin un roce siquiera, con un golpeador que no golpea y un recibidor que recibe el falso golpe del falso golpeador con un verdadero retraso, te das cuenta de lo triste que es todo. Y ni siquiera hay un plis-plas de relleno que sirva para magnificar el golpe. Ni el más mínimo efecto decoroso que oculte esa chabacanería.

Te dices lo malo que es todo, y no te planteas ni guión ni montaje ni nada, porque no lo hay. Y entonces recuerdas aquellos bellos momentos de la infancia en que te ilusionabas viendo el Equipo A. Te alegraba ver a Murdock haciendo el mamón (como tu amigo Javi, pero a diferencia de Javi, Murdock era un actor, no era subnormal de verdad), a Phoenix ligando tan cutremente con hijas de rancheros (joder qué triste), a Anibal Smith, con su puro en la boca y preguntándote años después ¿cómo es posible que George Peppard sea la misma persona que hizo Desayuno con diamantes y luego El Equipo A?
Y por último, esa emoción al ver a M.A. Barracus también llamado Mr. T, que todo el mundo confundía el personaje y el nombre real. Con esa retórica vehemente, esos diálogos pausados con Murdock, esa complicidad que se teñía de obediencia con Anibal. La furgoneta tuneada ya en aquellos tiempos, como si de un visionario se tratara (yo vi a unos gitanos de mi ciudad que tunearon la suya igual). Y sobre todo, M.A. me ilusionaba, cl igual que Clint, por las hostias. Porque sabías que cuando él llegara habría más gasas con sangre en el suelo que en una peli gore. Y luego llegaba la decepción porque siempre era lo mismo y nunca había muertos, y los malos se redimían o huían poniendo mala cara...

Sirva esta película de reflexión sobre la vacuidad de la masa. Que busca valores de honor y brutalidad malentendidos y que intenta verse identificada. Que triunfara en una sociedad como la estadounidense hace que pensemos en si de verdad no ganó "moralmente" el sur en su particular guerra civil. Pero eso sería otra película llamada C.S.A. (Confederate States of America), de la cual hablaremos en otra ocasión.

Clint pagó la deuda con su mujer, y las deudas que a su vez esta generaba. Se separó de ella, y con ello se redimió. Este fue uno de los fallos de su carrera, y al tiempo una muestra de cómo es posible hacer una película lamentable y triunfar.

Valoración: 3
e-link (película doblada español)
Nota: Clint Eastwood doblada es mejor que original, pero aquí da igual todo.

Hellraiser. Clive Barker. 1987

2006-04-20T19:12:00.000+02:00

En esta escena, el susodicho dice mientras le hacen eso: Jesús lloró dicho lo cual, se ríe. Yo digo: Amén.

No me considero ni mucho menos un forofo del cine de ciencia ficción que se entrelaza al de terror. No es que no me guste la fantasía, o la sangre, sino más bien porque me parece muy difícil hacer una buena película con esos argumentos. Aún así, y dada la importancia de Hellraiser como película de culto para muchos, me dispuse a verla hace un rato.

Dura 90 minutos, y ello es de agradecer, pues una película de éste género no se hubiera de alargar más de eso. Su director, es el propio novelista creador de Hellraiser, el señor Clive Barker, del cual no sabía nada hasta hace 5 minutos. La verdad es que sigo sin saber nada de él 5 minutos después.
Los actores son desconocidos (salvo algún que otro papel secundario en pelis mediocres) y la película tiene bandera británica. Hasta aquí los datos.

La historia se puede resumir en un hombre que adquiere una caja china (primer fotograma) mediante la cual entra en contacto con unos seres de otra dimensión que lo conducen a un extremo placer/dolor (siempre unidos en la idea que plasma el autor) y en un paso más allá, a la muerte. Años después, el hermano del desgraciado y su nueva mujer, deciden instalarse en la casa donde le aconteció esa extraña muerte al primero. Comienza entonces en la mujer un sentimiento carnal muy fuerte hacia su cuñado "muerto", que la hace obsesionarse, y un acontecimiento extraño (una gota de sangre) hace revivir al desgraciado. A partir de ahí, la mujer, en secreto, empieza a seducir y matar a hombres para que el "muerto" adquiera un corpachon de primera calidad. Mientras tanto el marido panoli no se entera de nada, y la que descubre el percal es la hija del panoli, sobrina del "muerto". Se desencadena después una trama fantástica con los seres llamados cenobitas, que como no, desencadena un final apoteósico tras mucho minutaje de tensión, sangre, maquillaje, música mala y actuaciones patéticas.

Qué decir sobre la película. Lo primero es que el señor Barker no tiene pinta de saber mucho de cine. Hay destellos buenos, como son algunos contrapicados al comienzo mostrando unas grúas en unos astilleros mientras el personaje avanza o algunos pequeños travellings en las escaleras (con giro incluído) que aportan inquietud, pero aparte de eso no hay nada. Hay empalmes de telefilm entre escena y escena, hay planos medios cortos y largos sin ton ni son, rotos, deslavazados entre sí. Hay secuencias penosas que no aportan nada. La fotografía es un chiste.
Y respecto a la historia, pues siendo muy tolerante con una historia de seres asquerosos que salen de debajo de un desván o de paredes que se abren, decir lo mal que me sienta el poner a un protagonista panoli en escena, a un tonto estereotipado, a una esposa que desde el minuto uno pone cara de mala, a un tipo que compra una caja "maligna" en una especie de bazar a un extraño chino (¿no os recuerda eso el capítulo de Los Simpson en el que Homer compra la mano de mono?).

A favor de ella, hay que decir que en ciertos momentos genera tensión y se ve fácil. Es un entretenimiento sencillo. Al comienzo hay una secuencia en la que se mezclan muy rápido acciones diferentes realizadas por los personajes que participan de la acción conjunta. Esa parte me ilusionó, me pareció digna. Así también, llegando al final hay una persecución por la casa del tipo "asesino busca chica que se esconde" que yendo más allá del telefilm, tiene su miga. Y luego están las pintas ochenteras cutres que llevan todos. Lo horteras que son, los peinados. Ese punto diría que es negativo, porque hace que te tomes a los personajes (ya de por sí penosos) en más patéticos aún, pero al tiempo, ésa misma gracia es simpática.

Como conclusión decir que esta película no deja de ser un telefilm, que muchos han convertido en peli de culto (y quizá lo sea. En Trueque Mental ya ha hablado Borja de lo que es una peli de culto). Que no ha de tomarse muy en serio. Que entretiene, genera tensión, vergüenza ajena y, a veces, sus vísceras y maquillaje, llegan a recordar al primer Peter Jackson pero sin llegar al gore. El detalle final, deja un punto más que abierto para una secuela. De ahí surgieron productos de videoclub en cadena:
Hellbound: Hellraiser II ( The further adventures of Kirsty)
Hellraiser III: Hell on Earth
Hellraiser: Bloodline ( The origin of the Box)
Hellraiser: Inferno (A man's journey through a personal Hell)
Hellraiser: Hellseeker

Secuelas que no veré.

Valoración: 5

Nota: puntuar una película así es controvertido. Siendo radical habría que darle un 2, pero hay factores, como ya he explicado, que hacen que esta película haya que verla de otra manera.
e-link (película doblada español)
No merece la pena verla en inglés

Everything is illuminated. Liev Schreiber. 2005

2006-04-20T12:43:00.000+02:00

Esta película tiene lugar debido a una novela del mismo título escrita por Jonathan Safran Foer, un joven escritor de 29 años, que con su primera obra ha conseguido un best seller internacional, y alabanzas increíbles por parte de todo yanqui que lea. Ya está en la calle su segunda novela Tan fuerte, tan cerca, la cual parece ser (según leo) tan buena como la anterior.

Liev Schreiber, ése actor más o menos bueno según el papel que interprete y la película en que salga (lo más protagonista que ha hecho, creo recordar que es el telefilm RKO281 en donde encarnaba a Orson Welles), se ha atrevido con esto para dirigir su primera película. Y le ha salido más que bien, y con nota si además tenemos en cuenta que la adaptación del guión es suya. Parece tratarse de un típico caso de "un hombre que lee un libro que le gusta mucho y mueve Roma con Santiago para hacer la película realidad". Y ése amor por el texto queda patente en la pantalla, pues desde luego es innegable la delicadeza conque trata a sus personajes.

Elijah Wood es el protagonista. Un extraño coleccionista americano, que viste con traje negro y unas gafas muy gruesas, vive atemorizado, y llega a Odessa (Ucrania) con la intención de averiguar cosas acerca de un misterio de sus abuelos. Para ello contará con la ayuda de un viejo "que cree que está ciego" y su nieto hiphopero que alaba el estilo de vida americano. Es entonces cuando comienza un viaje hacia un pasado universal común, en el que toda la Humanidad, converge (aquí en forma de parábola casual) en un extraño suceso oculto tras una palabra: Trachimbrod.
Hay que destacar a los otros dos actores acompañantes de Elijah Wood, ("el coleccionista" se debe a que guarda cosas de todo tipo en pequeñas bolsas, para recordar sucesos en el futuro), que son Eugene Hutz (el nieto) y Boris Leskin (el abuelo).
Eugene Hutz no es actor. Es un treintañero ucraniano que, siendo adolescente, se trasladó a vivir a USA debido al accidente de Chernobyl. Más recientemente, formó una banda de gypsy punk llamada Gogol Bordello, la cual tiene varios discos (os enlazo los que hay en la mula): Gypsy Punks Underdog World Strike (2005), Multi Kontra Culti vs. Irony (2002) y Voi-La Intruder (1999). Hacen una mezcla extraña de punk y folk, con ritmos eslavos a lo Kusturica. Podría decirse que suena a Goran Bregovic rápido y metiendo caña.

La banda sonora corre a cargo en su mayor parte por Paul Cantelon, y es magnífica. Hay polkas, tarantelas, piano. Vamos, una banda sonora evocadora y sensible. Aparecen también cortes de Gogol Bordello, y unos tal Leningrad (no los Leningrad Cowboys) que lo hacen de vicio.

La fotografía de la película es magistral, y remarca a la perfección el paso del comienzo cómico a otros terrenos más dramáticos que llegan después, siempre con mucho colorido y esperpento.

Decir como conclusión que si mezclas una película eslava (sin llegar al caos de Kusturica) y al Gondry de Eternal Sunshine of the Spotless Mind, tienes algo un poco parecido a esto. Una bella y simple rareza.

Valoración: 8

e-link Banda Sonora
e-link Película ucraniano-inglés subs español

The Bow (El arco). Kim Ki-Duk. 2005

2006-04-20T01:43:00.000+02:00

Kim Ki-Duk se ha caracterizado siempre por películas de una gran sensibilidad. En muchas, el silencio juega un papel fundamental, relegando a los protagonistas (siempre pocos) a meros ejecutantes de ciertas acciones, que suelen ser catárticas en la mayoría de los casos.

Esta película llegó a España con casi un año de retraso desde que recorriera los grandes festivales europeos. En mala hora.
He de decir que no tuve suerte al verla, pues uno de los inconvenientes de vivir en una ciudad pequeña es que hemos de conformarnos con algún cine minúsculo, que en el caso de proyectar películas no comerciales, no suelen darlas en versión original. Y si ver una película coreana doblada es un crimen, porque la abismal diferencia entre su idioma y el nuestro hace que los dobladores, por muy buenos que sean (y por desgracia para doblar pelis orientales usan dobladores malísimos), más desgracia aún es que los dobladores, malos de por sí, parezcan aficionados. Primer punto negativo.
Si a esto le unimos una música oriental (digo oriental porque suena a clin-clin-clin...) hecha con alguna especie de instrumento de cuerda sin ninguna melodía, y unos ritmos enlatados de fondo que ni Ricardo Franco emocionándose con sus "selecciones" personales, pues el resultado son unos momentos insufribles y bochornosos. Segundo punto negativo.
Por último, los personajes insostenibles de principio a fin, sin ninguna fábula social o emocional como en Hierro-3 sobre el amor, o como en Primavera, verano, otoño, invierno... y primavera sobre el sentido de la vida, o yendo más allá, por semejanzas, con la transgresión sádica de La isla (Seom). Sin ninguna chicha, transcurre una escasa hora y media insoportable y aburrida.

Sobre la sinopsis decir que:
En un barco vive un anciano que retiene desde hace 10 años a una adolescente, a la cual adora y con la que espera casarse cuando esta cumpla la mayoría de edad. Al barco acuden distintos hombres, para dedicarse a la pesca deportiva. De entre uno de esos visitantes, uno de ellos resulta ser un muchacho, del cual se enamora la joven y comienzan los problemas...

Conclusión
El lirismo no es tal. Una sucesión de imágenes mudas, con una horrible fotografía, con un cierto feísmo no provocado, y una inestabilidad en la duración del plano, todo ello unido a la música y a la falta de ritmo, convierten a esta película en lo peor que ha hecho Ki-Duk a día de hoy. Ya fue un demérito su anterior película Samaritan girl, la cual, sin entrar en detalles, diré que es bastante mediocre, pero esto...
¿Dónde está el director/guionista de Hierro-3, Primavera... o La isla?

De su filmografía anterior tengo muchas ganas de ver Domicilio desconocido y Birdcage Inn.

Valoración: 4
e-link (coreano subs español integrados)